Рейтинг@Mail.ru
Россия

Поскольку сайт российский, в первую очередь меня заинтересовали судьбы и творения российских композиторов академического направления. Здесь даны их краткие биографические сведения. Список статей (фамилий) будет пополняться.

Прошу композиторов в случае, если они хотят разместить свою биографию на этом сайте, писать на адрес gamayun@lafamire.ru Давайте расскажем о Вас современникам.

Также прошу друзей композиторов рассказать им об имеющейся возможности разместиться на популярном сайте lafamire.ru



Валерий Челноков
Современные композиторы - Россия

Валерий Челноков, композитор

Валерий ЧелноковЧелноков Валерий Анатольевич - ярославский композитор (член Союза композиторов России), педагог, певец (участник камерного хора «Возрождение» и хоровой капеллы "Ярославия").


Родился 28 марта 1945 года.

Выпускник Нижегородской консерватории

Больше сорока лет творчества - и все на Ярославской земле.

Он автор множества произведений: кантаты, оратории, симфонии и концерты, среди которых уникальный: для хора и колоколов. Песни.


Духовные песнопения В. Челнокова продолжают традиции другого ярославца - отца Василия Зиновьева, сочинения которого он тайком изучал в студенческие годы. Православную музыку В. Челнокова исполняет и капелла "Ярославия", в которой Валерий Анатольевич служит хористом.

Многие произведения Валерия Анатольевича Челнокова написаны специально для камерного хора «Возрождение» и регулярно включаются в его концертные программы. Это — триптих «Зимняя ночь» на стихи Николая Рубцова, триптих «Дон Жуан» на стихи Марины Цветаевой, духовные произведения и знаменитая песня «Прогулка по городу», посвящённая Ярославлю, которой всегда этот коллектив заканчивает каждый концерт. 

В его творческом багаже есть и сценические работы. Для Ярославского театра кукол Валерий Челноков написал музыку к спектаклю "Питер Пэн".


15 лет Валерий Анатольевич сотрудничает с третьей школой искусств, находя в детях самых честных слушателей и ценителей.


Музыку Челнокова знают и за рубежами России.

Награды и звания:


Член Союза композиторов России
Дважды лауреат премии Л.В. Собинова,
Победитель конкурса "Человек труда. Сила, надежда и доблесть Ярославля".


 
Сергей Халаимов
Современные композиторы - Россия

Сергей Халаимов, композитор

Сергей ХалаимовСергей Анатольевич Халаимов - композитор города Ростова-на-Дону.

Автор более 1000 песен и пьес для детей, Сергей Халаимов.Персональный сайт

Родился 8 февраля 1965 года в городе Ростове-на-Дону, в семье служащих.

Музыку сочиняет с детства. Первое музыкальное произведение сочинил в 8-милетнем возрасте. В 1979 году окончил Детскую музыкальную школу им. Римского-Корсакова (г.Ростов-на-Дону) по классу скрипки. В 1980 году, по окончании 8 классов ростовской средней школы №91, поступил на теоретическое отделение Ростовского училища искусств, которое окончил с отличием в 1984 г. Педагогами по композиции были Анатолий Иванович Кусяков и Алексей Павлович Артамонов - старейший донской композитор.

 В 1984 г. поступил на теоретико-композиторский факультет Ростовского государственного музыкально-педагогического института (сейчас Ростовская государственная консерватория им. С.В.Рахманинова) в класс композиции профессора А.И. Кусякова. Участвовал в концертах молодых композиторов, посещал Молодежную секцию Ростовской организации Союза композиторов. Во время обучения в вузе появились его первые произведения для детей – в дальнейшем эта область творчества станет для него доминирующей.
В 1990 г. окончил Ростовский музыкально-педагогический институт с отличием по классу композиции проф. А.И. Кусякова (1945–2007)


В этом же 1990 году начал работать в ростовской средней школе №104 руководителем кружка "Юный композитор". Кроме того, в этой школе и в ее филиале осуществлял музыкальное оформление школьных концертов, праздничных мероприятий и театральных спектаклей.

В 1993 – 1994 годах работал преподавателем композиции в Школе одаренных детей при Ростовском училище искусств.

Несколько лет пел в дополнительном составе факультетского хора РГМПИ и в церковных хорах. С 2000 г. по настоящее время работает концертмейстером детского хора "Радость" при Центре детского творчества Ворошиловского района г.Ростова-на-Дону. Его детские песни составляют важную часть репертуара этого ансамбля.

Из других детских и народно-самодеятельных коллективов Дона, часто и охотно разучивающих его произведения, следует упомянуть ансамбль "Солнечный город" при том же ЦДТ, ансамбль "Конфетти" и народную вокальную студию "Кантилена" при ДК "Ростов-Досуг", хоры ДМШ и ДШИ Ростова, Зернограда, с. Самарское.

В Ростовской областной филармонии за последние 10 лет состоялось более 10 авторских концертов композитора.

Много авторских встреч провел в библиотеках, детских садах, школах, Центрах дневного пребывания пенсионеров и инвалидов Ростова и области.

Его песни неоднократно звучали на фестивалях "Ростовские композиторы – детям", в передачах радио "Дон-ТР", публиковались в нескольких коллективных и 11 авторских сборниках ("Ростовский вальс", 1997; "Уходит осень", 2000; "Веселый щенок", 2001; "Где прячется зайчик", 2001; "Осенние письма", 2003; "Картинки лета", 2003; "Вы меня не узнали", 2005; "Как много лет я ждал...", 2005; "Последняя осень 20-го века", 2005; "Встреча", 2006; "Песенные кружева," 2007) и в газетах Ростова и области. Кроме того, в ростовском издательстве "Феникс" вышло несколько хрестоматий фортепианного педагогического репертуара, где есть и его пьесы, вариации и сонатины, в том числе специально сочиненные для этих изданий.

Среди сочинений
: симфоническая поэма-сказка; детские сонатины, вариации и пьесы для фортепиано (некоторые из них опубликованы в хрестоматиях для детских музыкальных школ); сотни романсов и песен (в т.ч.детских).

Значительной вехой творческой биографии композитора является активное участие в работе ростовских литературно-музыкальных общественных объединений "Созвучие" и "Окраина".

В год 300-летия Таганрога (1998) стал лауреатом литературно-музыкального конкурса "Город у моря".Общение и дружба с ростовскими литераторами повлияли на возобновление забытого детского увлечения стихотворчеством. Его стихотворения были опубликованы в нескольких выпусках альманаха литобъединения "Окраина".
С 1991 года сотрудничает с ростовским камерным ансамблем "Каприччио" как аранжировщик.

Последние на сегодняшний день сочинения – детские мюзиклы на либретто Н.М.Рябухиной ("Гадкий утенок" и тетралогия "Времена года"), ею же поставленные на Камерной сцене Ростовского музыкального театра (объединенными силами артистов театра и детских коллективов Ростова-на-Дону) в 2008 - 2013 гг.
 


 
Геннадий Чернов
Современные композиторы - Россия

Геннадий Чернов, композитор

Геннадий ЧерновГеннадий Владимирович Чернов - заслуженный деятель искусств Российской Федерации, профессор кафедры композиции и инструментовки Российской Академии музыки имени Гнесиных.


Геннадий Чернов: «Музыка – моя мечта»


Геннадий Чернов: «Музыка – наш праздник»

Послушать музыку Геннадия Чернова

Биография

Геннадий Владимирович Чернов родился 26 апреля 1937 года в Ташкенте.

Его мать, Надежда Сергеевна Меншутина, врач-терапевт, окончила 2-й Московский медицинский институт. Отец, Чернов Владимир Иванович, — инженер-электрик, специалист по городскому электротранспорту, выпускник Московского энергетического института. По окончании учебных заведений молодые специалисты, образовавшие семью, получили распределение в Ташкент, где и родился их сын Геннадий.

В 1938 году семья вернулась в Москву, но ненадолго.

Началась война. Мать с сыном были эвакуированы в Ташкент и находились там с 1941 по март 1943 гг. После возвращения в Москву Геннадий поступает в общеобразовательную Московскую школу № 146 (1944) и оканчивает ее в 1954 году.

Занятия музыкой начинаются с 1952 года, в самодеятельном духовом оркестре Дома культуры имени В.П. Чкалова. Руководитель оркестра Е.Т. Федулкин стал обучать новичка игре на кларнете. Уже через год, в марте 1953 года, Г. Чернов поступает в детскую музыкальную школу (ныне это школа № 7 имени P.M. Глиэра), где занимается на фаготе в классе А.А. Розенберга. Именно здесь — в духовом оркестре и музыкальной школе — юный музыкант приобретает первоначальные навыки оркестровой игры, позволившие ему позже исполнять партии «взрослых» оркестровых сочинений в самодеятельных симфонических оркестрах Московского Дома учителя и Дома ученых.

"Моя мама была врачом, папа - инженер по электротранспорту. В 7 классе я был в пионерском лагере, и к нам приехал огроменный духовой оркестр. Я был просто потрясен. Меня это так задело, что потом, когда я уже вернулся в Москву, я увидел в нашей школе объявление о приеме в самодеятельный духовой оркестр в доме культуры Чкалова (Дом культуры имени В.П.Чкалова). Он находился недалеко от Белорусского вокзала на улице Правды, а мы жили неподалеку. Я сагитировал своего друга, и мы туда пошли. Нас приняли, друг потом учился на саксофоне, а я на кларнете. Так состоялось моё самое первое знакомство с музыкой. Но потом я постепенно все больше и больше увлекался ею. Я помню, огромное впечатление на меня произвела ария Мельника из оперы «Русалка», я просто бредил этой музыкой. Стал в театр ходить, на концерты, да и по радио тогда передавали много хороших произведений".

"Потом, уже когда я был в 9 классе, вдруг мне ужасно понравился фагот. Хотя первая любовь была кларнет. Один знакомый музыкант сказал мне: «Тебе фагот понравился? Хочешь, я тебя устрою в музыкальную школу?» Его приятель преподавал там, это был Антон Антонович Розенберг. Потом через много лет мы с ним вместе работали в институте (имени Гнесиных). Это был мой первый учитель. За окном был март месяц 9 класса, и меня приняли в музыкальную школу. Я с таким рвением занимался, что первый класс прошел за три месяца, потом второй за три месяца, потом сразу четвертый и седьмой. За год и три месяца я окончил школу и на выпускном экзамене играл уже концерт Моцарта для фагота".

Параллельно с занятиями музыкой Г. Чернов учится в техническом вузе. С 1954 по 1961 гг. он — студент, а затем аспирант Московского института Тонкой химической технологии имени М.В. Ломоносова. Одновременно он посещает занятия в кружке при Доме композиторов, которые ведут преподаватели Е.И. Яхнина, М.А. Осокин и O.K. Эйгес. К этому времени относятся первые его опыты сочинения музыки.

"Был 10 класс, тогда была десятилетка. Встал вопрос, что дальше делать? И, естественно, я хотел продолжать заниматься музыкой, но фагот - довольно дорогой инструмент и денег не было, чтобы его купить. Я же в школе занимался на казенном инструменте. Поэтому я поступил в химический институт, но все равно продолжал заниматься музыкой и опять стал ходить в духовой оркестр. Обратно вернулся на кларнет, потому что фагота у меня не было".

"Конечно, это не очень хорошо. После фагота, там тросточка маленькая, у кларнета мне показалась такая «дубина». Ну, постепенно привык. У меня был товарищ Алик Кузнецов, он учился в ЦМШ на скрипке, а я его утащил в оркестр на валторне играть.  Он потом бросил скрипку, кончил Мерзляковское училище и поступил в Консерваторию, был блестящий валторнист. Позже его взяли в оркестр Баршайя. Но в тот период, когда он учился, он меня затащил в самодеятельный симфонический оркестр Дома учителя (Московский Дом учителя). Вот мы с ним туда ходили, он  - на валторне, я  - на кларнете, играли массу хорошей музыки".

"... в год мы играли три-четыре программы и причем какие: 1-ый Концерт Чайковского, 5-ю Симфония Бетховена, Итальянское каприччо, 5-й концерт Бетховена, «Эгмонт», советских композиторов, Шостаковича, Кабалевского. Я играл партию второго кларнета. Для меня это было огромное удовольствие -  посидеть в оркестре  - и плюс большая будущая школа. Я потом, когда уже стал профессионально заниматься музыкой, понял, как это много мне дало. Потому что я слышу оркестр внутренне. Это очень важно. И студентам своим я говорю, что обязательно надо играть в оркестре. Даже во времена петербургской
Консерватории, когда Чайковский учился, всех студентов заставляли играть в оркестре. Петр Ильич играл на флейте, Рубинштейн всех заставлял. Это и польза
огромная и  поддержка оркестра".

В аспирантуре института Тонкой химической технологии Г.Чернов начинает работу над диссертацией, но огромная любовь к музыке берет свое. Понимая необходимость серьезной музыкально-теоретической базы для занятий композицией, в 1961 году Г. Чернов поступает в музыкальное училище имени Гнесиных, на теоретическое отделение, и экстерном, за два года, оканчивает обучение. Музыкальное дарование и целеустремленность позволяют Г. Чернову поступить в институт имени Гнесиных, в класс композиции O.K. Эйгеса.

"...я окончил химический институт (Московский институт Тонкой химической технологии имени М.В. Ломоносова), и потом меня приняли в аспирантуру. Я
хорошо учился. И тут как раз начал сочинять, но это все были еще первые, неосознанные произведения, небольшие пьесы для фортепьяно. Кстати,  когда я
поступил в химический,  родители купили мне пианино. И я впервые начал сочинять и играть какие-то пьесы. Что-то получалось, что-то нет. А потом, когда я уже был в аспирантуре, получилось так, что меня направили в Научно-исследовательский институт пластмассы делать работу. В лаборатории, где я оказался, было тесное помещение и все заставлено аппаратами,  приборами, места свободного не было. А в окне виднелось новое строящееся здание, там вскоре мне и должны были выделить место. А пока оно строилось, у меня получилось довольно много свободного времени. Почти год я сидел в библиотеке, собирал литературу и занимался музыкой. И тут вновь дело случая. Еще один мой друг рассказал, что есть такой кружок самодеятельных композиторов при Доме композиторов. Мы туда пришли, показали какие-то свои фрагменты произведений, и нас приняли. И каждое воскресение мы ходили на занятия. Это был еще старый Дом композиторов около музея Глинки. Я полтора года ходил туда, для меня это было как праздник. Мы там гармонию изучали, сольфеджио, муз. литературу, занятия были почти как в училище. И плюс под руководством учителей мы писали произведения. Там я и познакомился со своим будущим педагогом Эйгесом. Однажды Яхнина, которая вела у нас гармонию, говорит мне: « А вы знаете, мне кажется, вам надо профессионально заняться музыкой». Ну, и эта мысль мне засела в голове. Тем более я к этому так рвался, так стремился. Я решил, что надо поступать в музыкальное училище. Все лето сидел, готовился, изучал Способина, узнал, какие требования нужны на теоретическое отделение".

"Я понял, что мне нужно получить хорошую теоретическую базу. Я бросаю аспирантуру и поступаю в училище, изначально на заочное отделение, потом перевелся на вечернее.  Группа была маленькая, из трех человек. Мне повезло, я попал к замечательной женщине, она была уже пожилая, ученица Глиэра, Валентина Алексеевна Таранущенко. Она из нас все соки выжимала. Такая была потрясающая «старушенция» и все ее знали. Занимались мы у нее  дома в Трубниковском переулке, ходили два раза в неделю. Она преподавала сольфеджио, гармонию и потом еще и анализ. И так мы прозанимались два года и поняли, что можем уже поступать. Не кончая училища, мы поступили вот сюда, в Гнесинский институт. Сдали экзамены мы хорошо, но меня не приняли, потому что я не работал по специальности. И уже в сентябре я пришел к Таранущенко, а у нее сидит такой взрослый дядя, оказался он директором Новомосковского музыкального училища. Она говорит ему: «Лёня, понимаешь, вот Чернова не приняли, потому что он не работает по специальности. Ты можешь ему помочь?» «Могу – сказал Лёня,- а он поедет ко мне работать?» Я говорю: «Конечно, поеду!» И он тут же достает бланк, у него с собой был, пишет, что Геннадий Владимирович Чернов принят на работу в Новомосковское музыкальное училище, и ставит печать. Я беру эту справку и иду на заочное отделение, куда я поступал, отдаю ее проректору, и меня зачисляют".

"Конкурс был довольно большой, человек шесть на место. Приняли Давида Кривицкого, кого-то еще и вот меня. Ну, вот я пять лет учился и как раз попал в Эйгесу, моему замечательному педагогу, которому я показывал свои произведения еще в Доме композитора. Я хорошо учился, и меня оставили работать. И вот уже 44 года я здесь пропадаю и пишу музыку" (в Гнесинской Академии). "Колоссальную роль играет то, что здесь много исполнителей и всегда можно реализовать задуманное. Я пишу много оркестровой музыки, особенно для народного оркестра, и всегда это исполняется".

В 1963 году Г. Чернов уже студент Музыкально-педагогического института имени Гнесиных по классу композиции. Учебные дисциплины у него ведут O.K. Эйгес (композиция и инструментовка),ПИ. Литинский (полифония), В.А. Таранущенко (гармония), Ф.Г. Ар-заманов, Р.Н. Берберов (анализ музыкальных произведений).

Имена видных педагогов, у которых занимался Г. Чернов, свидетельствуют о том, что он является одним из прямых наследников Московской композиторской школы, ведущей свою «родословную» от П.И. Чайковского (Танеев — Глиэр — Жиляев — Эйгес).

Параллельно с учебой в институте имени Гнесиных Г. Чернов работает преподавателем в музыкальных училищах, сначала в Новомосковском (Тульской области), затем — в Царицынском (Московской области). По окончании ассистентуры (1968) он получает приглашение работать на кафедре композиции и полифонии института имени Гнесиных.

"Два года я работал в Новомосковском училище, а потом его директор переехал в Коломенское училище, и мы все за ним. После семь лет я работал в Царицынском училище, там, где сейчас дворцы. И был у меня один студент Виктор Петров, духовик, он оказался сыном знаменитого Ивана Васильевича Петрова, генерала армии. Так вот однажды он говорит: «Вот мой отец, сейчас он ушел в отставку, собирается создавать Государственный духовой оркестр. Может быть, вы что-нибудь для него напишете?» Он меня с ним познакомил, я показал ему какие-то фрагменты из будущей «Русской сюиты». И он говорит: «Вот это то, что нам надо. Давайте делайте партитуру. Мы будем играть».  И я летом написал партитуру, и ее сыграли. Хотя я задумал в ней 5 частей, но оказалось, что для духового оркестра не стоит слишком размахиваться. Сам Петров сказал: «Давайте мы сократим». Я сначала ломался, было жалко материала, но пришлось обрезать вступление, оно стало как будто из другой оперы. На самом деле, оно должно было перекликаться с богатырской пятой частью. Но
потом эти элементы вошли в симфонию. Так вот, этот оркестр (Государственный духовой оркестр России), созданный в 1969 году, в 70-м году в ноябре, дает первый концерт в Большом зале консерватории.  В свою концертную программу они включили мою «Русскую сюиту». Успех был потрясающий. На бис повторяли вторую часть. Шуму было много. Второе отделение начиналось с моей музыки. В зале были Шостакович, Хренников, был полный зал, народу битком. Потом этот оркестр играл «Русскую сюиту» в зале Чайковского, в Колонном зале, почти во всех залах Москвы, вплоть до Театра Эстрады, Зала России, который сейчас снесли. Далее оркестр поехал на гастроли, и они в общей сложности сыграли ее около 300 раз. Записали на пластинки, по телевизору была про нее передача «Золотые трубы», все это записывалось и передавалось несколько раз. Ее играли в Германии, Болгарии, Венгрии, везде, где были наши военные духовые оркестры. А потом дирижер попросил написать для них симфонию. Через два года была написана Первая симфония. Так все закрутилось и пошло. Потом я стал писать для народного оркестра и параллельно - для симфонического".

С 1968 года и по настоящее время ГВ. Чернов — бессменный преподаватель в Российской Академии музыки имени Гнесиных, где сначала он вел классы специального анализа, полифонии, чтения партитур и инструментовки, а затем стал — и остается — одним из ведущих педагогов класса композиции и инструментовки.

Среди его многочисленных учеников — композиторы, музыковеды, редакторы, педагоги музыкально-теоретических дисциплин, исполнители, лекторы филармоний (всего свыше 300 человек). В разные годы его класс окончили композиторы Е. Алексеева, Е. Анисимова, X. Ахмедли (Азербайджан), Н. Барковская, И. Вишневский, В. Доленко, А. Иванов, Д. Лабунский, С. Левин, А. Лушин (Великобритания), Д. Лыбин (Белоруссия), Г. Май, Е.
Макарцева, М. Мартинес (Испания), И. Некрасова, А. Поздняков (Канада), С. Пышненко (Германия), М. Раленко, С. Решетов, Р. Сайгин, В. Сариев, Е. Спилиоти (Украина), А. Староверова, И. Тамарин (Израиль), О. Теляковская, И. Тихомиров, В. Ульянич, 3. Файн, А. Шахадынец и др.

В 1977-1980 гг. Г. Чернов был командирован Министерством культуры СССР в Ирак и вел класс композиции в «Школе музыки и балета» города Багдада.

"Я три года работал в Багдаде, командировка от Министерства культуры. Это был 1977-1980 год. Только на лето мы приезжали домой. Это была «Школа музыки и балета». и я там вел класс композиции. Сначала было конечно трудно, языковый барьер давал о себе знать. Они немного знали английский, и я тоже чуть-чуть. Очень помогали дети от смешанных браков, где один из родителей был русский, они знали обычно два языка, так и справлялись. (Сейчас там война и наверняка уже от этой школы ничего не осталось). Потому что она  была рядом с аэродромом, и иногда с диким рёвом взлетали реактивные самолеты, так что ничего не было слышно. А там жара и окна все время были открыты, потому что в тени было 47 градусов. Мы дурели от этого солнца. В течение зимы могло быть всего три-четыре дождя. А так все время солнце, солнце, солнце".

Творчество композитора Г.В. Чернова широко известно в России и во многих странах мира. Его произведения неоднократно исполнялись на международных фестивалях «Московская осень» и «Ленинградская весна», на I Международном фестивале духовой музыки во Франции (Гавр, 1990), в Белоруссии, Болгарии, Венгрии, Германии, Ираке, Казахстане, Польше, Португалии, США, Узбекистане, Украине, Финляндии, Чехии, Югославии.

"Лет 12 тому назад (примерно 2000 год), приезжал американский дирижер и издатель. Встреча с ним была в Доме композиторов. Он отбирал три произведения для духового оркестра, чтобы издать их в Америке. У меня взяли два - «Восточный танец» и Первую симфонию. И вдруг, год назад (2011 год) по
интернету мне приходит письмо от испанского дирижера и композитора Тео Апарисио Барберана. О том, что он в Америке приобрел мою партитуру Первой симфонии и хотел бы ее сыграть. Я согласился. Мы с ним переписывались по интернету, уточняли всякие детали, разные технические моменты, и вот он уже два раза сыграл эту симфонию. Один раз в мае и другой  - в июне (2012 год) на Международном фестивале «Symphony band» с огромным успехом. Он потом прислал мне видео. В зале стоял рёв аплодисментов, минут пять зрители никак не могли успокоиться. Состав его духового оркестра  - 140 человек. Испанцы очень любят такие огромные оркестры. Вот так мы с ним подружились. И когда назрел этот юбилейный концерт (2012 год), я предложил ему принять участие в нем. И он согласился.

2012 год."В этом году в апреле мне исполнилось 75 лет, вот и решили устроить такой авторский вечер (он состоялся 27 ноября в Концертном зале РАМ имени
Гнесиных). Это была даже не моя инициатива, а идея кафедры оркестрового дирижирования,  Валерия Халилова и Бориса Ворона. Валерий Михайлович предложил два оркестра: симфонический и духовой (оба оркестра Министерства обороны РФ). Я, естественно, был счастлив этому обстоятельству. Я знаю их, они могут играть и симфоническую музыку, и духовую, и джазовую и что угодно, в общем - универсальные ребята".

Произведениям Г. В. Чернова свойственны современность и высокое мастерство, опора на русские классические и народные традиции, стройность форм и динамизм драматургического развития, эпический размах, виртуозное владение оркестровыми средствами, стремление к колористическим поискам (особенно в произведениях для духового оркестра и оркестра русских народных инструментов).

В творчестве Г.В. Чернова можно выделить четыре основных направления:

Произведения для большого симфонического оркестра:


Третья симфония для струнного оркестра, Пятая симфония «К Отчизне», Симфония-каприччио на арабские темы, Восточная поэма и танец, Романтическая поэма-вальс, Концерт для виолончели с оркестром, Симфония-концерт для скрипки и симфонического оркестра, Восточная фантазия «Памяти Н.А. Римского-Корсакова» для кларнета и симфонического оркестра, Эпическая оратория «Сорок первый — сорок пятый» для меццо-сопрано, смешанного хора и симфонического оркестра на стихи В. Татаринова, Торжественная кантата-ода «Новому тысячелетию» для хора и симфонического оркестра на стихи И. Черняевой.


Произведения для духового оркестра:

Первая симфония «Русь Великая», «Русская сюита», Восточная поэма и танец (авторский вариант для духового оркестра), Скерцо для фагота с оркестром, Восточная фантазия «Памяти Н.А. Римского-Корсакова» для кларнета и духового оркестра, пьеса «Частушка», Сюита № 2 «Классическая».


Произведения для оркестра русских народных инструментов:

Вторая симфония, Четвертая симфония «Лирическая», «Русская сюита», Концерт для оркестра баянистов и ударных, Полифоническая симфониетта для оркестра баянистов и ударных, Скерцо-токката для оркестра баянистов и ударных.

Камерно-инструментальная, вокальная и хоровая музыка:

Соната для фортепиано, Соната для кларнета и фортепиано, Струнный квартет, Две концертные пьесы для струнного трио, «Поэтические картинки» для фортепиано, Концертные пьесы для фортепиано, Поэма на тему Поля Двойрина, Скерцо для фагота и фортепиано, Ария для трубы (вариант для валторны) и фортепиано, Пьесы для баяна, романсы на стихи П. Шелли, М. Бенюка, Е. Евтушенко, Д. Татаринова, хоры a cappella и др.

Сочинения Г.В. Чернова изданы в России и США, они записаны на грампластинки и компакт-диски. На них имеются многочисленные отклики в печати. Самые лестные отзывы о творчестве и музыкально-общественной деятельности Г.Чернова дали такие композиторы и музыковеды, как Т. Хренников, Д. Шостакович, А. Хачатурян, С. Туликов, И. Мартынов, Г. Поляновский, Е. Долинская, Р. Косачева, М. Имханицкий, Б. Рунов, С. Дунаев, А. Генделев, Г. Кузнецов, О. Шикова, С. Петряева, Л. Римский и другие.

Значительны достижения профессора Г.В. Чернова в научно-методической области. Его произведения для народного оркестра и оркестра баянистов постоянно используются в образовательном процессе многих консерваторий и музыкальных училищ. Широкой известностью пользуются у педагогов и студентов пьесы-задачи по инструментовке для симфонического и народного оркестров.



В 2007 году вышла книга о Геннадии Владимировиче Чернове: КОМПОЗИТОР ГЕННАДИЙ ЧЕРНОВ. Музыка - наш праздник

В книге помещены материалы, характеризующие жизненный и творческий путь известного отечественного композитора Геннадия Владимировича Чернова к 70-летию со дня рождения и 45-летию его творческой деятельности. Публикация предназначена всем, кто интересуется вопросами современного российского композиторского творчества, музыкой для духовых оркестров и оркестров русских народных инструментов. В ней помещены свидетельства коллег, воспоминания учеников, избранные музыковедческие статьи и фрагменты научных трудов, отклики прессы, как опубликованные, так и хранящиеся в личном архиве Г.В. Чернова в рукописном виде и любезно предоставленные им для данного издани я.В конце книги публикуются справочные материалы, позволяющие полнее представить жизненный и творческий путь этого известного русского композитора и видного деятеля музыкальной культуры.

Источники статьи

http://ikompozitor.ru/book/850

http://beautiful-music.ru/node/138


 
София Губайдулина
Современные композиторы - Россия

София Губайдулина, композитор

София ГубайдулинаСофия Асгатовна Губайдулина  - российский композитор, с 1991 года живёт в Германии. Автор более 100 симфонических произведений, сочинений для солистов, хора и оркестра, инструментальных ансамблей, музыки для театра, кино и мультфильмов.

С. А. Губайдулина — один из самых крупных и глубоких композиторов второй половины XX века, классик мировой музыки. В ее творчестве чувствуется стремление к органичному объединению свойств искусства Запада и Востока, воздействие представлений духовно-религиозного порядка. Через веру она приходит и к смыслу творчества. "Я религиозный православный человек и религию понимаю буквально, как religio — связь между жизнью и высотой идеальных установок и абсолютных ценностей, постоянное воссоздание legato жизни. Жизнь разрывает человека на части. Он должен восстанавливать свою целостность — это и есть религия. Помимо духовного восстановления нет никакой более серьезной причины для сочинения музыки".

  

Биография


София Губайдулина родилась родилась 24 октября 1931года в городе Чистополь, Татарская АССР. Отец — Губайдулин Асгат Масгудович, инженер-геодезист. Мать — Губайдулина Федосия Федоровна, урождённая Елхова, педагог. Дед, Масгуд Губайдулин, был муллой. В 1932 году семья переехала в Казань.

В 1935 София поступила в музыкальную школу. С 1946 по 1949 училась в казанской Музыкальной гимназии по фортепиано (класс М. А. Пятницкой) и композиции, а с 1949 по 1954 в Казанской консерватории по классу композиции у Альберта Лемана, а также по классу фортепиано у Григория Когана. В 1954 г. поступила в Московскую консерваторию, класс композиции Юрия Шапорина, а затем Николая Пейко.Не был оставлен и профессиональный контакт с роялем: почти до окончания консерватории продолжались занятия с Я. Заком.

Из сочинений этого периода следует отметить вокальный цикл "Фацелия" на слова М. Пришвина (1957), с которого композитор начала отсчет своих произведений.

Сталинская стипендиатка.


В 1959 году Губайдулина окончила Московскую консерваторию по классу композиции и в том же году поступила в аспирантуру при Московской консерватории, в класс В. Шебалина. Лейтмотивом ее творческой жизни в этот период стало слово-напутствие, сказанное ей Д. Шостаковичем: "Я вам желаю идти вашим “неправильным” путем". В 1961 году ее принимают в Союз композиторов. В 1962-м проходит первый авторский концерт с исполнением Фортепианного квинтета, "Фацелии" и Чаконы для фортепиано.

София оканчивает аспирантуру в 1963 году у профессора Виссариона Шебалина и избирает судьбу свободного художника. Она целиком погружается в сочинение музыки. Средства к существованию находит благодаря написанию музыки для кино. Всего она оформила около 25 кинолент, включая хорошо известные "Маугли" (мультфильм, 1971) и "Чучело" (режиссер Р. Быков, 1983). В том же 1963 году за "Allegro rustico" для флейты и фортепиано получает 1-ю премию на Всесоюзном конкурсе молодых композиторов.

Важной вехой на творческом пути композитора стало создание "Пяти этюдов для арфы, контрабаса и ударных инструментов" (1965), в которых стала очевидной ее авторская индивидуальность.


Интерес композитора к философии и колориту Востока проявился в кантатах "Ночь в Мемфисе" на тексты из древнеегипетской лирики и "Рубайят" на стихи Хакани, Хафиза и Хайяма (1968, 1969). В 1969—1970 Губайдулина работала в Московской экспериментальной студии электронной музыки в музее имени А. Н. Скрябина, где состояла и членом художественного совета. Возглавлял студию Е. Мурзин, работали в ней, в частности, композиторы Э. Денисов, А. Шнитке, теоретик П. Мещанинов. Написала там электронную пьесу Vivente — non vivente (Живое — неживое, 1970). Губайдулина писала также музыку для кино. Всего она написала музыку к 25 фильмам, включая «Вертикаль» (1967), «Маугли» (мультфильм, 1971), «Человек и его птица» (мультфильм, 1975) и «Чучело» (реж. Р. Быков, 1983).

Ухудшение общественной, в том числе концертно-музыкальной, обстановки в конце 1960-х и на протяжении 1970-х годов поставило перед многими художниками круга Губайдулиной вопрос о духовном и профессиональном выживании. Спасением для Губайдулиной стала поддержка ее со стороны талантливых отечественных исполнителей, настойчиво включавших ее произведения в свои концертные выступления: С. Яковенко, В. Тонха, Г. Рождественский, Г. Кремер, Ф. Липс, Ю. Николаевский, В. Попов, И. Монигетти, П. Мещанинов, Л. Михайлов, Л. Давыдова, А. Бахчиев, Б. Берман.

С начала 1970-х годов подружилась с Петром Мещаниновым (муж с 1992[3]), пианистом, дирижёром ряда её произведений и теоретиком музыки, оказавшим значительное влияние на числовые расчёты в технике музыкальной композиции Губайдулиной. Все это время она очень мало исполнялась, публиковалась, была известна только узкому кругу музыкантов, к ней недоброжелательно относился Союз композиторов, вплоть до слов "такие веточки надо обрубать топором". С 1975 г. выступала с импровизациями в составе ансамбля «Астрея» вместе с композиторами Виктором Суслиным и Вячеславом Артёмовым. В 1979 году на VI съезде композиторов в докладе Тихона Хренникова её музыка подверглась жёсткой критике, и Губайдулина попала в так называемую «хренниковскую семёрку» — «чёрный список» 7 отечественных композиторов.

Творчеству Губайдулиной присуще, с одной стороны, осмысление через свои произведения глубоких философских концепций, с другой — интенсивное обогащение звучащей музыкальной интонации. Например, в "Ночи в Мемфисе" проявилась дзэн-буддийская идея растворения своего "я" в окружающем мире. В поисках яркой выразительности звука она, пианистка по образованию, постепенно изучила свойства всех других инструментов — струнных, духовых, ударных, органа — и услышала в них новые выразительные возможности. В частности, настоящей школой новейших способов игры на виолончели стали ее "Десять прелюдий" (этюдов) для этого инструмента (постоянный исполнитель в течение десятков лет — В. Тонха). На новых приемах основаны вокальная и инструментальные партии в "Рубайят". Большому обогащению музыкальной фантазии послужило ее участие в импровизационной группе "Астрея", где с 1975 по 1981 год ее партнерами были композиторы В. Артемов и В. Суслин, с 1991-го — отец и сын Суслины.

Редкие же концертные исполнения приносили Губайдулиной огромный успех. Таково было воплощение ее "Часа души" — концерта для солирующих ударных и симфонического оркестра с солирующей певицей на стихи М. Цветаевой в Концертном зале имени Чайковского (1976, исполнялся в Москве — 1981). Возвышение ею роли всевозможных ударных инструментов, в том числе восточных, также отвечало ее поискам новой музыкальной выразительности. Постоянным исполнителем на ударных выступает М. Пекарский.


Новаторские открытия были сделаны Губайдулиной и в звучании баяна, превратившегося в XX веке из народного инструмента в академический. Здесь постоянным сотрудником композитора стал Ф. Липс (позднее за рубежом — Э. Мозер). В 1978 году для баяна соло была написана пьеса "De profundis" ("Из глубины"), ставшая самым исполняемым в мире современным произведением для этого инструмента. Выдающимся по глубине музыкальной мысли и яркости звуковых открытий стало сочинение "Семь слов Христа" для виолончели, баяна и струнных (1982).

При повышенном внимании к содержательности музыкальной интонации для Губайдулиной особое значение имеет исполнитель. Так, концерт для скрипки "Offertorium" ("Жертвоприношение", с идеей смерти и воскресения Христа, 1980/1982/1986) изначально задумывался с мыслью о Г. Кремере, в котором композитор увидела "исполнителя, способного принести жертву Музыке через предельную самоотдачу звучащей струне". С этого сочинения, постоянным исполнителем которого стал Г. Кремер, началась мировая известность автора.

Перелом в судьбе Губайдулиной принесла горбачевская "перестройка": с 1985 года стало меняться ее положение практически запрещенного композитора. Стремительно, в течение нескольких лет, она обретает мировое признание. На Международном фестивале в США 1988 года заголовок в одной из газет гласит: "Запад открывает гений Софии Губайдулиной". Композитор лично присутствует на своих концертах в разных странах. Например, в 1989 году она выезжает в Японию (Токио и Кобе), Лондон, Амстердам, Вену, ее концерты проходят в Нью-Йорке и Луисвилле. В 1990 году состоялся первый фестиваль ее музыки на родине — в Свердловске (ныне Екатеринбург). В том же году она получает немецкую стипендию для пребывания в Ворпсведе. К 60-летию композитора проводится международный фестиваль в Турине (Италия), серии концертов в других странах мира. Тогда же, в 1991 году, она заключает брак с П. Мещаниновым, с которым была дружна много лет. Как теоретик музыки, он оказал значительное влияние на интерес композитора к числовым расчетам в процессе ее сочинения. В 1992 году они поселяются в Германии, в Аппене под Гамбургом, сохранив российское гражданство. По словам Губайдулиной, она нашла возможность осуществить свою давнюю мечту — жить в полной тишине.

За десятилетие 1986—1996 годов Губайдулина создает целую серию сочинений из числа самых крупных и значительных. Симфония "Слышу. Умолкло." в 12 частях (1986), посвященная Г. Рождественскому, далеко уходит от традиций этого жанра. Название символизирует значимость не только звучания, но и молчания, паузирования. В связи с посвящением дирижеру смысловым центром произведения становится уникальное соло дирижера, состоящее из одних только жестов, при молчании оркестра. Монументальное произведение философично и выдержано в параллельной драматургии двух смысловых линий: статического мажора (как бы вечного света) и трагических усилий человека, заканчивающихся крушением. Согласно экзистенциалистской позиции автора, концепция не приводит к итоговому утверждению, а оставляет неразрешенный вопрос.

"Аллилуйя" для хора, оркестра, органа, солиста-дисканта и цветовых проекторов (1990) по строгости и чистоте эмоционального тона может быть сравнена с иконой. Через "гамму цветов" проводится символика "жертвования света" в следовании от светлых к темным краскам. Замысел произведения связан с идеей евхаристии — соборным жертвованием и последующим воскресением. Финал окрашен светлым пением мальчика-дисканта на подлинную древнерусскую мелодию и текст "Да исполнятся уста".

В 1991 году Губайдулина получила немецкую стипендию и полтора года находилась в Ворпсведе. С 1992 года живет в Аппене под Гамбургом, сохраняя российское гражданство.

"Из Часослова"
для виолончели, оркестра, мужского хора и чтеца (1991) — произведение на стихи из книги "О монашеской жизни" Р. М. Рильке, где главным героем выступает исповедующийся Богу русский монах (с ним идентифицируется солирующая виолончель). В соответствии с образом темноты как божественной тайны у Рильке в музыке Губайдулиной большую роль играет низкий регистр: виолончель соло, мужской хор, сверхнизкая звучность у отдельных инструментов.

Как одно из наиболее исполняемых выделилось произведение типа кантаты — "Теперь всегда снега" для камерного хора и камерного ансамбля в 5 частях на стихи Г. Айги (1993). Губайдулину в этом поэте привлекает глубина поэзии, емкость метафор и огромное значение близких ей самой художественных элементов — пауз и ритма. На его стихи ранее был написан вокальный цикл "Розы" (1972), стихотворение "И празднество в разгаре" повлияло на создание инструментального произведения для виолончели с оркестром того же названия (1993). Для музыкального языка "Снегов" характерны разнообразные приемы вокальной экспрессии и стереофония: в хоровых партиях применены пение с примесью дыхания, шепот, речь и т.д., певцы по ходу исполнения перемещаются по залу, создавая разнообразные пространственные эффекты. В центральной части цикла возникает аллюзия очищающей снежной бури. Окружающие части ("Запись: APOPHATIC") контрастно ее оттеняют апофатическим представлением невидимости Бога. Финал же приносит катарсис, через детски чистый образ — "была как лужайка страна.". Композиция кантаты относится к самым строго организованным в творчестве композитора (используются числовые ряды Фибоначчи, Люка и производные от них).

Самым большим вокальным циклом Губайдулиной стали "Висельные песни" (15 песен) на стихи К. Моргенштерна для голоса и ансамбля инструментов (контрабас, ударные и др., 1996). Он единственный у этого автора по соединению серьезной экспрессии музыки с детски сюрреалистическими сюжетами текстов — о полуночной мыши, эстетствующей ласке, одиноко гуляющем колене, исповедующемся червяке, лунной овце. Абсурдистскую кульминацию составляет чисто жестовая, беззвучная "Ночная песнь рыбы".

Концерт для альта с оркестром
(1996) по заказу Чикагского симфонического оркестра, посвященный Ю. Башмету, написан автором свободно, без числовых расчетов. Сумрачный и значительный, он обладает четкой драматургией контрастов: как бы импровизационному полету солирующего альта противопоставлено монолитное "говорение" струнных, бесплотности флажолетов струнных — мрачные голоса вагнеровских туб в низком регистре. На фестивале в честь 70-летия композитора в 2001 году концерт прозвучал в зале церковных соборов храма Христа Спасителя в Москве в исполнении Ю. Башмета под управлением В. Гергиева.

Непрерывные поиски выразительности звука привели Губайдулину к освоению четвертитоновых музыкальных интервалов. Особая звуковая аура возникла в ее "Музыке для флейты, струнных и ударных" (1994), "Кватернионе" для четырех виолончелей (1996), где половина струнных настраивалась на 1/4 тона ниже. Новые возможности открылись композитору при освоении японского кото благодаря знакомству с К. Саваи ("В тени под деревом", 1998).

Фестивали с музыкой Губайдулиной стали периодическими, что свидетельствовало о ее признании как классика мировой музыки: 1993, 1995, 1996 — в России, 1995 — в Париже и Локенхаузе, 1998 — в Дорнахе и Авиньоне. Самым значительным празднеством стал фестиваль в 2001 году в Москве и Казани, где открыт Центр современной музыки имени С. А. Губайдулиной (2001/2002).

На грани тысячелетий Губайдулиной был сделан заказ из Штутгарта на евангельское сочинение, каким стали монументальные "Страсти по Иоанну" для солистов, двух смешанных хоров, органа и оркестра (2000). Музыка здесь подчинена слову, данному в Евангелии от Иоанна, в замысле произведения — скрещение проблем веры и судеб мира. Тексты из Евангелия от Иоанна переплетены со строками из Откровения Иоанна Богослова (Апокалипсиса), что приводит к концепции "страшного катарсиса": смерти Христа и пролитию семи чаш гнева. В свои "Страсти" Губайдулина вложила великую тревогу за человечество: "Все страшные, последние вопросы “Страстей” не должны быть отодвинуты. Такое отодвигание в сторону — неправда. Они, эти вопросы, настолько велики, что не могут быть и морально преодолены; такое моральное преодоление — иллюзия. Тем более не могут эти вопросы быть “сняты”: “снять” такое — значит взять грех на душу". Окончанием "Страстей" стала "Пасха по Иоанну" для того же состава исполнителей (2001).


В первые годы нового столетия и тысячелетия композитор продолжала поиски новой выразительности звука ("У края пропасти" для 7 виолончелей и 2 аквафонов, 2002) и развивала линию размышлений о мире: "Свет конца" для оркестра (2002), "Под знаком Скорпиона" (концерт для баяна с оркестром, 2003), триптих "Путь к моей дочери" (2005—2006) — "Лира Орфея" для скрипки, струнного оркестра и ударных, "Меж ликом надежды и ликом отчаяния" из "Пепельной среды" Т. С. Элиота для флейты и оркестра, "Пир во время чумы" для оркестра.


В 2005 году провела мировое турне, посвящённое Тысячелетию Казани.

В 2011 году в Казани прошли торжества и акции в честь 80-летия Губайдуллиной, в том числе два фестиваля её имени и объявление её почетным гражданином Казани.

Международный фестиваль современной музыки «Конкордия» имени Софии Губайдулиной

В 2011 году с личным патронажем и участием Софии Губайдулиной в Казани силами Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан основан ежегодный фестиваль современной музыки её имени «CONCORDIA», в котором выступают известные российские и зарубежные композиторы и исполнители. Художественный руководитель фестиваля — заслуженный артист России Александр Сладковский.
Международный конкурс пианистов имени Софии Губайдулиной

В Казани проводится международный конкурс пианистов её имени с участием студентов Казанской и других консерваторий.
Центр современной музыки

Центр современной музыки действует в Казани в реконструированном доме на улице Тельмана, где композитор провела свои детские годы.

Философские представления Губайдулиной о творчестве и свободе личности близки позиции Н.Бердяева, утверждавшего, что «творчество продолжает дело творения».

«Свобода, — считает С. Губайдулина, — это возможность сполна реализовать свою сущность, прислушаться к себе, к тому, что личности дано в ситуации истории. Как скрипачу, пианисту, чтобы иметь хороший звук, надо иметь свободные руки, так композитору или писателю надо иметь совершенно свободную душу».

XX в. как исторический этап С. Губайдулина воспринимает в духе философии экзистенциализма (по ее словам, «и праведники не спасутся»), когда правда времени выявляется в виде вопросов и сомнений, но никак не утверждений.

«Есть большое отличие нашего времени от предыдущих веков. Возьмем античное аполлоническое искусство. Оно создало скульптуры богов, веря, что такой бог заключает в себе истину. Иное представляет собой сознание фаустианского (гётевского) типа и времени. Оно видит скульптуру, но не считает ее истиной, в нем живет тоска по иному образу. Наш XX век мне представляется переходным, скорее веком сеятелей, после которого придут пожинатели. Мы не уверены, что сможем дойти до конечной истины. Поэтому у нас — другое сознание и другой материал».

Истиной XX в. С. Губайдулина считает и органичный синтез культур Запада и Востока — в философии и художественном языке. Происходящая из русско-татарской семьи, она изначально чувствовала в себе призвание к этому синтезу. В плане философских идей — это синтез дуализма Запада и монизма Востока.

В частности, таким путем С. Губайдулина решила мировоззренческую проблему финала а ряде своих сочинений: в кантате «Ночь в Мемфисе», в «Часе души» для солирующих ударника и певицы с оркестром после типично западного столкновения антитез наступает как бы даосское растворение всех контрастов. В плане художественного языка — это синтез западной музыкальной темперации и точечного звука с восточной не-темперированностью и зонным звуком, соединение западных музыкальных жанров и инструментов с восточными, элементов западного авангарда с восточными традициями. Например, в пьесе «Юбиляция» для ударных инструментов название относится к католической литургии, а исполнительский состав обогащается традиционными китайскими барабанами (гангу, тагу, яогу, баньгу.)

С тяготением к древности и первозданности связана еще одна установка композитора — избегать затвердевших культурных наслоений, искать некие пра-состояния духа. «Стиль заставляет себя же повторять, это накладывает на человека некие оковы... Я предпочитаю состояние «прахудожника», докультурного состояния художника». Отсюда — культивируемая практика импровизации на незнакомых восточных и народных инструментах (группа «Астрея», совместно с Вяч. Артемовым и В.Суслиным).

Стремление снять все слои культурной традиции повело и к нетрадиционной трактовке таких основополагающих академических музыкальных жанров, как симфония, квартет. Так, в симфонии «Слышу... Умолкло...» — не 4, а 12 частей, неклассичны контрасты, исходящие из параллельной драматургии, уникально центральное соло — не какого-либо инструмента, а дирижера, делающего беззвучные взмахи рук.

В отношении музыкального языка как новейшую тенденцию второй половины XX в. Г. рассматривает сонорику, с ее самостоятельностью музыкальной краски, которая требует неклассической логики в функционировании музыкальных средств. В художественном языке самой С. Губайдулиной сложился новый, самостоятельный параметр — «параметр экспрессии» и «диссонансов» нового вида, опирающихся на контрасты в артикуляции музыкального звука (легато — стаккато, также игра смычком — игра пиццикато), фактуре (непрерывность — прерывистость) и т. д. Например, ее 3-й квартет состоит из двух разделов, где первый исполняется пиццикато («диссонанс экспрессии»), а второй — смычками легато («консонанс экспрессии»).

Фундаментальную основу композиции у С. Губайдулиной составляет ритмическая организация, в которой она компонует не только звучание, но и паузирование, молчание, о чем говорят даже названия произведений: симфония «Слышу... Умолкло...», «Anasihoketus» (или «Как бы гокет»; гокет — жанр с прерывистым звучанием голосов). Для организации своей ритмики Г. весьма часто использует ряд Фибоначчи (1,1,2,3,5,8,13,21,34 и т. д.), основывая на его пропорциях и краткие музыкальные мотивы, и крупные музыкальные формы.

Одна из излюбленных мыслей С. Губайдулиной — об общности целей у религии и музыки. «Я религиозный православный человек и религию понимаю буквально, как re-ligio, восстановление связи, восстановление legato жизни. Жизнь разрывает человека на части. Он должен восстанавливать свою целостность — это и есть религия. Помимо духовного восстановления нет никакой более серьезной причины для сочинения музыки».


В. Холопова о творчестве С. Губайдулиной:

С. Губайдулина принадлежит к числу наиболее значительных советских композиторов второй половины XX в. Ее музыке свойственна большая эмоциональная сила, крупная линия развития и вместе с тем тончайшее ощущение выразительности звука - характера его тембра, исполнительского приема.

Одна из важных задач, которую ставит перед собой С. А. Губайдулина, - синтезировать черты культуры Запада и Востока. Этому способствует и ее происхождение из русско-татарской семьи, жизнь сначала в Татарии, потом в Москве. Не принадлежа ни к "авангардизму", ни к "минимализму", ни к "новой фольклорной волне" или какому-либо иному современному течению, она обладает ярким собственным индивидуальным стилем.

Губайдулина - автор многих десятков сочинений в разных жанрах. Через все ее творчество проходят вокальные опусы: ранняя "Фацелия" по поэме М. Пришвина (1956); кантаты "Ночь в Мемфисе" (1968) и "Рубайят" (1969) на стихи восточных поэтов; оратория "Laudatio pacis" (на ст. Я. Коменского, в соавт. с М. Копелентом и П. X. Дитрихом - 1975); "Perception" для солистов и ансамбля струнных (1983); "Посвящение Марине Цветаевой" для хора a cappella (1984) и др.

Наиболее обширна группа камерных сочинений: Соната для фортепиано (1965); Пять этюдов для арфы, контрабаса и ударных (1965); "Concordanza" для ансамбля инструментов (1971); 3 струнных квартета (1971, 1987, 1987); "Музыка для клавесина и ударных инструментов из коллекции Марка Пекарского" (1972); "Detto-II" для виолончели и 13 инструментов (1972); Десять этюдов (прелюдий) для виолончели solo (1974); Концерт для фагота и низких струнных (1975); "Светлое и темное" для органа (1976); "Detto-I" - Соната для органа и ударных (1978); "De prolundis" для баяна (1978), "Юбиляция" для четырех ударников (1979), "In croce" для виолончели и органа (1979); "В начале был ритм" для 7 ударников (1984); "Quasi hoketus" для фортепиано, альта и фагота (1984) и др.

К области симфонических произведений Губайдулиной относятся "Ступени" для оркестра (1972); "Час души" для солирующих ударных, меццо-сопрано и симфонического оркестра на ст. Марины Цветаевой (1976); Концерт для двух оркестров, эстрадного и симфонического (1976); концерты для фортепиано (1978) и скрипки с оркестром (1980); Симфония "Stimmen... Verftummen..." ("Слышу... Умолкло..." - 1986) и др. Одно сочинение - чисто электронное, "Vivente - non vivante" (1970). Значительна музыка Губайдулиной для кино: "Маугли", "Балаган" (мультфильмы), "Вертикаль", "Кафедра", "Смерч", "Чучело" и др. Губайдулина в 1954 г. окончила Казанскую консерваторию как пианистка (у Г. Когана), занималась факультативно по композиции у А. Лемана. Как композитор окончила Московскую консерваторию (1959, у Н. Пейко) и аспирантуру (1963, у В. Шебалина). Желая посвятить себя только творчеству, она на всю жизнь избрала путь свободного художника.

Творчество Губайдулиной было сравнительно мало известно в период "застоя", и только перестройка принесла ему широкое признание. Произведения советского мастера получили высочайшую оценку и за рубежом. Так, во время Бостонского фестиваля советской музыки (1988) одна из статей была озаглавлена: "Запад открывает гений Софии Губайдулиной".

Среди исполнителей музыки Губайдулиной - известнейшие музыканты: дирижер Г. Рождественский, скрипач Г. Кремер, виолончелисты В. Тонха и И. Монигетти, фаготист В. Попов, баянист Ф. Липе, ударник М. Пекарский и др.

Индивидуальный композиторский стиль Губайдулиной сложился в середине 60-х гг., начиная с Пяти этюдов для арфы, контрабаса и ударных, наполненных одухотворенным звучанием нетрадиционного ансамбля инструментов. Затем последовали 2 кантаты, тематически обращенные к Востоку, - "Ночь в Мемфисе" (на тексты из древнеегипетской лирики в переводе А. Ахматовой и В. Потаповой) и "Рубайят" (на стихи Хакани, Хафиза, Хайяма). Обе кантаты раскрывают вечные человеческие темы любви, скорби, одиночества, утешения. В музыке осуществлен синтез элементов восточной мелизматической мелодии с западной действенной драматургией, с додекафонной техникой сочинения.

В 70-е гг., не увлекшись ни стилем "новой простоты", широко распространившимся в Европе, ни методом полистилистики, которым активно пользовались ведущие композиторы ее поколения (А. Шнитке, Р. Щедрин и др.), - Губайдулина продолжала поиск в области звуковой выразительности (например, в Десяти этюдах для виолончели) и музыкальной драматургии. Концерт для фагота и низких струнных представляет собой острый "театральный" диалог "героя" (солирующего фагота) и "толпы" (группы виолончелей и контрабасов). При этом показан их конфликт, который проходит различные этапы взаимного непонимания: навязывание "толпой" своей позиции "герою" - внутренняя борьба "героя" - его "уступки толпе" и моральное фиаско главного "персонажа".

"Час души"
для солирующих ударных, меццо-сопрано и оркестра содержит противопоставление человеческого, лирического и агрессивного, бесчеловечного начал; итогом служит вдохновенный лирический вокальный финал на возвышенные, "атлантские" стихи М. Цветаевой. В произведениях Губайдулиной появилось и символическое толкование исходных контрастных пар: "Светлое и темное" для органа, "Vivente - non vivente". ("Живое - неживое") для электронного синтезатора, "In croce" ("Крест накрест") для виолончели и органа (2 инструмента в ходе развития обмениваются своими темами).

В 80-х гг. Губайдулина снова создает и произведения крупного, масштабного плана, и продолжает излюбленную "восточную" тему, и усиливает внимание к вокальной музыке.

Утонченным восточным колоритом наделяется ею "Сад радости и печали" для флейты, альта и арфы. В этом сочинении прихотлива тонкая мелизматика мелодии, изысканно сплетение инструментов высокого регистра.

Концерт для скрипки с оркестром, названный автором "Offertorium", музыкальными средствами воплощает идею жертвования и возрождения к новой жизни. В качестве музыкального символа выступает тема из "Музыкального приношения" И. С. Баха в оркестровой обработке А. Веберна. Третий струнный квартет (одночастный) отступает от традиции классического квартета, он основан на контрасте "рукотворной" игры pizzicato и "нерукотворной" игры смычком, чему также придано символическое значение.

Одним из лучших своих произведений Губайдулина считает "Perception" ("Восприятие") для сопрано, баритона и 7 струнных инструментов в 13 частях. Возникло оно как результат переписки с Ф. Танцером, когда поэт присылал тексты своих стихотворений, а композитор давала на них и словесные, и музыкальные ответы. Так возник символический диалог Мужчины и Женщины на темы: Творец, Творение, Творчество, Тварь. Губайдулина добивалась здесь повышенной, проникающей выразительности вокальной партии и применила вместо обычного пения целую шкалу голосовых приемов: чистое пение, пение с придыханием, Sprechstimme, чистая речь, речь с придыханием, интонированная речь, шепот. В отдельных номерах добавлена магнитная пленка с записью участников исполнения. Лирико-философский диалог Мужчины и Женщины, пройдя этапы его воплощения в ряде номеров (№ 1 "Взгляд", № 2 "Мы", № 9 "Я", № 10 "Я и Ты"), приходит к своей кульминации в № 12 "Смерть Монти". Эта наиболее драматическая часть - баллада о черном коне Монти, который когда-то брал призы на скачках, а теперь предан, продан, забит, мертв. № 13 "Голоса" служит рассеивающим послесловием. Начальное и конечное слова финала - "Stimmen... Verstummen..." ("Голоса... Умолкло...") послужили подзаголовком к крупной, двенадцатичастной Первой симфонии Губайдулиной, продолжившей художественные идеи "Perception".

Путь Губайдулиной в искусстве может быть обозначен словами из ее кантаты "Ночь в Мемфисе": "Свершай дела свои на земле по велению своего сердца".

В. Холопова


Избранные сочинения


    Фацелия, вокальный цикл на слова М. Пришвина (1957)
    Пять этюдов для арфы, контрабаса и ударных инструментов (1965)
    Ночь в Мемфисе, кантата для меццо-сопрано, мужского хора и оркестра на древнеегипетские тексты (1968)
    Рубайят, кантата на стихи Хакани, Хафиза и Хайяма (1969)
    De profundis (Из глубины), пьеса для баяна соло (1978), впервые исполнена Ф. Липсом
    Семь слов Христа для виолончели, баяна и струнных (1982)
    Offertorium (Жертвоприношение), концерт для скрипки с оркестром (1980/1982/1986)
    Et exspecto (В ожидании), соната для баяна в 5 частях, посвящение Ф. Липсу (1986)
    Слышу… Умолкло…, симфония в 12 частях под названием (1986)
    Аллилуйя для хора, оркестра, органа, солиста-дисканта и цветных проекторов, 1990
    Из Часослова, кантата на стихи Райнера Марии Рильке, (1991)
    Теперь всегда снега, кантата на стихи Геннадия Айги (1993)
    Музыка для флейты, струнных и ударных (1994)
    Симфония Фигуры времени (1994)
    Висельные песни (15 песен) на стихи К. Моргенштерна для голоса и ансамбля инструментов (контрабас, ударные и др., 1996).
    Ночная песнь рыбы, концерт для альта с оркестром (1996), по заказу Чикагского симфонического оркестра, посвященный Ю. Башмету
    Кватернион для четырёх виолончелей (1996)
    Страсти по Иоанну, для солистов, хора и оркестра, написанная по заказу города Штутгарта в ознаменование 250-летия со дня смерти И. С. Баха (2000).
    Пасха по Иоанну, для солистов, хора и оркестра, (2001).
    «In Tempus Praesens», Второй концерт для скрипки с оркестром, (2007).

Награды и признание


    Премия князя Монако (1987),
    Заслуженный деятель искусств РСФСР (1989),
    Член Комитета по присуждению Ленинских премий (1990)[5],
    премия имени Кусевицких, США (1990, 1994),
    премия Франко Аббиато, Италия (1991),
    премия на 7-м Международном фестивале композиторов-женщин в Гейдельберге (1992),
    Государственная премия России (1992),
    премия имени Людвига Шпора, Германия (1995),
    Императорская Премия (Praemium Imperiale), Япония (1998),
    член ордена «Pour le Mérite» («За заслуги») ФРГ (1999),
    премия фонда "Библия и культура", Германия (1999),
    музыкальная премия Леони Соннинг, Дания (1999),
    Большой Крест ордена «Pour le Mérite»(«За заслуги») ФРГ (2002),
    медаль Гёте, Германия (2001),
    премия „Silenzio“, Москва (2001),
    «Polar Music Prize» (Премия Polar Music), Стокгольм (2002),
    «Орден «За заслуги перед Федеративной Республикой Германия»», Германия (2002),
    «Living Composer», Франция (2003),
    премия «Триумф» (2006),
    Почётная награда Правительства Москвы и Международного Совета российских соотечественников "Соотечественник года – 2007»,
    Почётный доктор Йельского университета (2009),
    Почётный доктор Чикагского университета (2011),
    Почётный гражданин Казани (2011)




 
Алексей Рыбников
Современные композиторы - Россия

Алексей Рыбников, композитор

Алексей РыбниковАлексей Львович Рыбников  - выдающийся советский и российский композитор. Творчество композитора Алексея Рыбникова поистине многогранно: от произведений для симфонического оркестра до рок-опер «Юнона и Авось», «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты», мистерии «Литургия оглашенных» и саундтреков к более сотни кино- и телефильмов, определивших музыкальные вкусы нескольких поколений зрителей («Остров сокровищ», «Большое космическое путешествие», «Приключения Буратино», «Про Красную Шапочку. Продолжение старой сказки», «Вам и не снилось...», «Тот самый Мюнхгаузен», «Заяц над бездной», «Андерсен. Жизнь без любви» и др.). На сегодняшний день Алексей Рыбников – художественный руководитель успешного и популярного театра-мастерской, представляющего ряд музыкальных постановок на лучших российских и зарубежных площадках.

"Человек с детства спрашивает себя, почему люди умирают. Когда маленький ребёнок познаёт мир, первый его осмысленный вопрос – о цели жизни, о смерти, о любви. Любовь – это безусловно, жизнь. Хотя, если смотреть с религиозной точки зрения, любовь выше и того, и другого. Невозможно понять этот мир, если не принять что-то выше материального существования. Но нужно обязательно пройти свой духовный путь, а не опираться на чужой опыт. Семья была верующей, но (для меня) в подростковом возрасте это отошло в сторону. Вновь к вере я пришёл после 30 лет. Первым шагом осмысления стало произведение «Юнона и Авось», потом «Литургия оглашенных», где я затронул религиозные вопросы. Музыка с детства была для меня абсолютом. Я занимался на рояле, только в этом видел своё будущее. Но потом понял, что есть более высокие вещи и решил пойти по пути сочетания музыки с поэзией и драматургией. В 10 лет я начал учиться у Арама Хачатуряна и написал балет «Кот в сапогах».

Биография

На долю предков Алексея Рыбникова выпало немало тяжелых испытаний. Его матери было пять лет, когда ее вывели на расстрел. Ее дед был генералом царской армии по медицинской линии, все ближайшие родственники также были царскими офицерами. Одни погибли в первую мировую войну, другие при защите Зимнего дворца... "Бабушка, которая меня воспитывала, - рассказывает Алексей Рыбников, - была тоже замужем за белым офицером. Она говорила мне, как везли его, раненого, на телеге, как расстрелял его повстречавшийся им отряд красноармейцев. Бабушке прострелили руки, когда она пыталась закрыть собой мужа..."

Алексей Рыбников родился 17 июля 1945 года в  Москве, в творческой семье. Мать Алексея Рыбникова была художником-дизайнером, отец — скрипачом, работавшим в оркестре Александра Цфасмана.

"Семья испытывала крайнюю нужду, - вспоминает о своем детстве композитор. - Я привык, что у нас считали каждую копейку, каждый кусок хлеба. Мама была талантливым художником-дизайнером. Дома она делала очень красивые платки и шляпы и продавала их, чтобы прокормить семью..."

Рыбников начал пробовать себя в качестве композитора уже в детстве: в 8 лет написал несколько фортепьянных пьес и музыку к фильму "Багдадский вор", в 11 — балет «Кот в сапогах».

Огромную роль в формировании мировоззрения будущего композитора сыграл его учитель Арам Ильич Хачатурян, с которым его познакомил отец - скрипач, работавший в оркестре Александра Цфасмана. Алексей показал свои сочинения А. Хачатуряну, и это во многом определило его судьбу. Влияние великого композитора, воплощавшего своей личностью и творчеством мощный культурный пласт, сопровождает Алексея Рыбникова всю жизнь.

А. Рыбников: "Это были годы советской власти: недавно умер Сталин, сознание закрепощено тоталитарной идеологией. Главное, что смог дать учитель, – освобождение от этих рамок и ощущение, что музыка выше. У других педагогов «потолок» режима постоянно давил на учеников". "Композитор должен обладать абсолютной свободой. Для меня надполитическое мировоззрение – главная ценность, полученная от Хачатуряна".

С 1956 по 1962 год Алексей учился в Центральной музыкальной школе для одаренных детей при Московской консерватории. В 1962 году поступил в Московскую консерваторию имени П.И. Чайковского по классу композиции А. И. Хачатуряна, которую окончил с отличием в 1967 году, а в 1969 году окончил аспирантуру по классу этого же выдающегося музыканта.

А.И. Хачатурян

Про занятия у Арама Ильича Хачатуряна: "Я поступал к нему в класс композиции, уже прозанимавшись у него перед этим 7 лет. Ведь я ходил к нему на занятия с 10 лет. Думаю, это единственный случай за всю историю Московской консерватории: ни до, ни после такого больше не было. Впервые я принес ему свой балет «Кот в сапогах», который я написал в 10 лет. И он сразу начал заниматься мной очень активно. Он уделял мне внимание абсолютно наравне со всеми своими студентами, каждый вторник я приходил к нему в консерваторию так же, как и остальные. Он отдал меня под опеку своего ассистента Игоря Васильевича Якушенко, который окончил у него консерваторию и аспирантуру и был одним из его любимых учеников. Вот он занимался со мной всей композиторской кухней. Чтобы показать Араму Ильичу хоть что-нибудь, мы с Якушенко готовили, готовили, готовили и показывали мэтру результат. Каждый раз для меня это было событием. Трепет был немыслимым. Для мальчика в 10-11 лет показывать свои сочинения композитору с мировым именем было невероятно ответственно. Мне даже сейчас в страшных снах снится по ночам, что приближается вторник, я должен нести Хачатуряну музыку, а у меня ничего не написано, и он мне говорит: «Ну, что же ты? Так ничего и не написал?» Вот так, настолько была огромной ответственность, что это до сих пор остается моим страшным сном. Арам Ильич был человеком весёлым. После окончания каждого курса он приглашал нас всех к себе на день рождения. 6 июня мы сдавали экзамен по специальности, шли к нему, и он поил нас «хачатуряновкой». Так, конечно же, назывался армянский коньяк, который ему привозили ящиками. Он был смешан с апельсиновым соком и со льдом. Всё это выпивалось легко, как апельсиновый сок, но опьянение всё-таки наступало, как от армянского коньяка. В нынешнее время даже невозможно себе представить, чтобы профессор консерватории спаивал студентов. Но, поверьте, никто не спился, зато во время этих встреч рождалась атмосфера родства между студентами и преподавателем, которая всех сближала".

Как Хачатурян отзывался о произведениях: "Он мог резко, безапелляционно отозваться как о любом поступке в твоей жизни, так и о бездарности сочинения, которое ему приносишь. Он говорил: сочинительство – это борьба бездарного с талантливым, и, пожалуй, 90 процентов того, что тебе приходит в голову, бездарно, гениального же наберется не более 10 процентов. Если ты не можешь отделить одно от другого, значит, ты никогда не станешь композитором. И действительно, на чем держится графомания? На том, что авторы причитают: «Ох, мы столько всего насочиняли, а нас не признают!» Столько всего насочиняли, а отделить одно от другого не смогли. А может, в океане бездарности они не заметили две-три идеи, заслуживающие внимания, которые потонули среди прочей ерунды?
Но уж когда человек сочинял что-то действительно талантливое и приносил ему, то он это ценил очень высоко! Как же он определял, что талантливо, а что нет? Вот он сидел в своем кресле и слушал. Если его музыка не трогала, не задевала его душу, то считай всё: ты погибший композитор. Но если твоя музыка ему понравилась, то тогда он щедро расточал комплименты, сразу называл тебя гением, говорил, что это всё замечательно и потрясающе. У меня есть его фотография, на которой он написал мне слова похвалы и которую я бережно храню. Я очень горжусь этими словами, ведь дождаться от него похвал было чрезвычайно сложно".

Уже в консерватории судьба поставила молодого композитора перед выбором: либо принять существовавшие тогда нормы в искусстве, либо искать свой путь в творчестве. Рыбников выбрал второе. "Если ты хочешь писать настоящие вещи, нельзя лгать самому себе" - вот его кредо. В 18 лет у Алексея Рыбникова уже была своя семья. Чтобы обеспечить ее, учебу в консерватории и творческую работу приходилось сочетать с частными уроками музыки, трудиться концертмейстером в театральном институте и даже аккомпаниатором в детском саду. С 1969 по 1975 год Алексей Рыбников преподавал в Московской консерватории на кафедре композиции.

Официальным дебютом композитора стало исполнение фортепьянной сонаты "Хороводы", написанной на 1-м курсе консерватории. Это произведение привлекло внимание музыкальной общественности. В нем, по словам критиков, молодой автор с самых первых шагов заявил об умении самостоятельно мыслить, по-своему преломлять характерные фольклорные мотивы.

"...неожиданно нашлась программка моего выступления с фортепианной сонатой «Хороводы» в 1963 году. Я тогда только что поступил в консерваторию, и это было мое первое публичное официальное выступление, как сейчас помню, во время пленума Союза композиторов СССР. Сонату играл я сам. Я окончил ЦМШ как пианист и как теоретик. В те годы на рояле я играл хорошо. Ну, а потом с годами техника ушла, потому что за инструмент я садился лишь для занятий композицией. Но тогда я играл замечательно, и меня как образцово-показательного студента начали показывать на таких вот концертах. На этом пленуме выступали многие ныне известные композиторы, например, София Губайдулина. Мы все тогда были очень молодые. Мне было почти 18 лет. Впоследствии я играл эту сонату много раз, это была моя визитная карточка".

Дипломной работой молодого автора стал концерт-баллада для скрипки с оркестром (1967) - лирико-драматическое произведение, замысел которого навеян стихотворением болгарского поэта о том, как толпа растаптывает цветок, нарисованный художником. В другой крупной работе Алексея Рыбникова - Первой симфонии (1969), написанной им по окончании аспирантуры, сочетались традиции современного отечественного и зарубежного симфонизма. Р.Г. Косачева в книге "Композиторы Москвы" (1976) писала, что "произведению свойствен активный динамический характер, четкое, поэтапное раскрытие драматургии...". "Виртуозный блеск и концертный размах, внешняя яркость, броскость, многоцветье красок, переливчатая звонкая красота, почерпнутая из фольклорных образов" получили развитие и в последующих сочинениях композитора, таких как "Русская увертюра", концертное каприччио "Скоморох", Концерт для баяна и оркестра, Концерт для фортепиано solo и в других произведениях, написанных по окончании консерватории в 1967-1972 годах.

От поисков в области строгого драматургического осмысления произведения в целом Алексей Рыбников вскоре обратился к поискам различных структурно-смысловых соотношений внутри отдельных частей и даже оркестровых групп. Так возник Концерт для струнного квартета и оркестра, написанный композитором по заказу немецкого дирижера Олафа Коха - художественного руководителя филармонического оркестра города Халле (ГДР). Здесь в 1971 году состоялась премьера произведения. Дирижеру необходимо было виртуозное оркестровое сочинение, блестяще выявляющее в то же время и возможности солистов. Так у молодого композитора возникла идея "концертного соревнования" квартета и оркестра. Это яркое произведение, по мнению критиков, "остро конфликтно по своему развитию и в то же время необычайно колористично по оркестровке".

Сразу после окончания консерватории, помимо инструментального творчества, Алексей Рыбников начал обращаться к жанру романса, написав романсы на слова Л. Ашкенази "Молитва" и "Телефон".

Творческая жизнь композитора уже долгие годы неотделима от кино и драматического театра. С 1965 года он пишет музыку для кино-, теле- и анимационных фильмов. За это время им была создана музыка более чем для 100 фильмов, в том числе для картин "Три дня Виктора Чернышева" (1967), "День и вся жизнь" (1969), "Остров сокровищ" (1971), "Без трех минут ровно" (1972), "Бедная Лиза", "Большое космическое путешествие", "Паучок Ананси и волшебная палочка", "Петр Мартынович и годы большой жизни" (1974), "Потрясающий Берендеев", "Приключения Буратино" (2 серии) (1975), "Дети из бездны" (США), "Диалог" (4 серии), "Дневной поезд" (1976), "Про Красную Шапочку. Продолжение старой сказки" (2 серии), "Обратная связь", "Исчезновение", "Усатый нянь" (1977), "Журавлиные перья", "Иванцов, Петров, Сидоров...", "Шла собака по роялю", "Новые приключения капитана Врунгеля" (1978), "Тот самый Мюнхгаезен" (2 серии), "Примите телеграмму в долг", "Осенняя история" (1979), "Вам и не снилось...", "Мнимый больной", "Дороги Анны Фирлинг" (4 серии), "Ералаш", "Желаю успеха", "Ночное происшествие", "Полет с космонавтом", "Через тернии к звездам" (1980), "Путь к медалям", "Руки вверх!" (1981), "Василий Буслаев", "Мать Мария", "Сказки... Сказки... Сказки Старого Арбата" (1982), "Индекс", "Карантин", "Лелька", "Магистраль","Серафим Полубес и другие жители Земли", "Оглянись!.." (1983), "Мумми-тролль", "Мушкетеры из 4"Б", "Мы" (5 серий), "Прохиндиада, или бег на месте", "Нам не дано предугадать...", "Шанс", "Вера. Надежда. Любовь" (1984), "Вот моя деревня..." (1985), "Всадник над городом", "Где родятся Жигули", "Гонка века", "Русь изначальная" (2 серии), (1986), "Черный принц Аджуба", "Утоли моя печали" (1989), "Фантик", "Царь Иван Грозный" (1991, 2 серии), "Только не уходи...", "Воспитание жестокости у женщин и собак" (1992), "Праздник непослушания", "Приговор", "Кодекс бесчестия", "Ядерный век" (США) (11 серий), "Великая княгиня Елисавета", "Я виноват" (1993), "Я виноват - 2", "С новым счастьем - 2" (8 серий) и др.

Алексей Рыбников: "Саундтрек – это определение для прикладной музыки. А композиция для драматургической основы, безусловно, целиком зависит от неё, являясь частью большого действа – фильма, спектакля, оперы. Но, когда я писал музыку для фильмов, режиссёры просили не иллюстрировать происходящее на экране, а качественно его преображать. Например, герои веселятся, смеются, а композиция за кадром – грустная. Она говорит нам, что с персонажами не всё благополучно, что их ждут какие-то испытания. Для меня взаимодействие музыки и драматургии – бесконечно интересная вещь. Но целостное музыкальное произведение и без визуального ряда способно выразить весь спектр чувств и эмоций, наполнив слушателей только звуком".

Его яркая, живая музыка проникнута непосредственностью, искренностью чувств, помогает авторам фильма глубже раскрыть творческий замысел. Записи музыки к фильму "Большое космическое путешествие" (1973) проданы общим тиражом более сотни тысяч пластинок. После выхода на экраны "Приключений Буратино" (1975) тираж пластинок с музыкой к фильму превысил миллион экземпляров.

Алексей Рыбников написал музыку к спектаклям "Коварство и любовь" (Драматический театр имени К. Станиславского), "Прозрачный мальчик" (Театр на Малой Бронной), "Сказка о четырех близнецах" (Центральный детский театр).

Наибольшую признательность и славу композитору принесли произведения для музыкального театра. В 1976 году состоялась премьера рок-оперы "Звезда и смерть Хоакина Мурьеты" в Московском театре имени Ленинского комсомола. Это была первая рок-опера, увидевшая свет в Советском Союзе, своеобразная революция в театре. Чиновники Министерства культуры, считая автора "авангардистом", предлагающим "чуждый" жанр для отечественного театра, 11 раз отказывались принять спектакль.

И все же спектакль и музыку ждал подлинный триумф. Выпущенный в 1977 году двойной альбом "Звезда и смерть Хоакина Мурьеты" занял 1-е место в хит-параде лучших грамзаписей.

В 1979 году Алексей Рыбников был признан Всесоюзным хит-парадом самым популярным композитором года и награжден премией за лучшую музыку к кинофильму на Московском международном кинофестивале.

Однако Рыбников выбрал свободу творчества, начав работу над новой современной оперой "Юнона" и "Авось" (по поэме А. Вознесенского), построенной на сочетании английского арт-рока с русской православной молитвой. Ее премьера состоялась В 1981 году в Московском театре имени Ленинского комсомола. В 1982 году выпуск альбома "Юнона" и "Авось" был запрещен Министерством культуры СССР. Рыбников обратился в суд, и дело было выиграно. В 1983 году альбом был выпущен и занял 1-е место в хит-параде. Вскоре состоялись гастроли театра Ленком в Париже. Пьер Карден представил это произведение в своем театре на Елисейских полях, затем в Германии, Голландии и других странах. В 1990 году музыкальный спектакль "Юнона" и "Авось" в течение 2 месяцев шел в "Сити сентер" Нью-Йорка. Телефильм "Юнона и Авось" 4-го канала телевидения Великобритании был показан телекомпаниями более 50 стран мира. Двойной альбом с записью этой рок-оперы был издан многомиллионным тиражом. За 20 лет спектакль выдержал более 700 представлений и идет до сих пор с неизменным аншлагом.


В 1988 году Алексей Рыбников основал Производственно-творческое объединение «Современная опера» при Союзе композиторов СССР. Этот театр, разместившийся в маленьком, отремонтированном им за свой счет подвале на Арбате, стал для композитора творческой мастерской. У москвичей появился новый театр с залом на 40 мест, с лабораторией светоэффектов, с уникальной компьютерной световой системой.

В 1989 году общий тираж проданных дисков с музыкой А. Рыбникова превысил 10 миллионов экземпляров. Фирма "Мелодия" наградила композитора "Золотым диском". "Звезда и смерть Хоакина Мурьеты" положила начало официальному признанию композитора. Последовало множество заманчивых предложений.


В 1992 году на сцене театра состоялась премьера музыкальной мистерии А. Рыбникова "Литургия оглашенных", которая затем в течение двух сезонов была сыграна здесь 70 раз. "В "Литургии оглашенных" весь смысл - в словах, - считает композитор. - Это подведение итога развития человеческого интеллекта, выраженного в поэтической форме." Композитор сам составлял либретто из текстов, созданных за последние три тысячи лет: от шумерской клинописи до Маяковского.

В конце 1994 — начале 1995 года с большим успехом прошли гастроли театра «Современная опера» в США. Вице-президент «Юниверсал Пикчерз» Н. Райс высоко оценил «Литургию оглашенных», заметив, что «эта блестящая музыкальная драма — без сомнения, художественное достижение высочайшего уровня, уникальное в своем мастерском соединении музыки, либретто и театральных эффектов».

В 1996 году спектакль был представлен в "Зрелищно-звуковом пространстве Алексея Рыбникова" - специально созданном по проекту автора театре на 500 мест. По телевидению многих стран мира был показан документальный сериал, снятый британской телекомпанией "Сентрал телевижн" "Алло, вы нас слышите?" (известный в российском прокате как "Мы" Юриса Подниекса). Фильм был удостоен многих международных наград, в том числе Золотой пальмовой ветви в Венеции.

В 1999 году Постановлением Правительства Москвы при Комитете по культуре Москвы был создан Театр Алексея Рыбникова.

Помимо работы в театре, А. Рыбников продолжает активно создавать инструментальные сочинения. В 1998 году в рамках программы ЮНЕСКО "Музыка, сближающая народы" он создает балет "Вечные танцы любви". В конце 1999 года запись балета осуществил в лондонской студии Большой симфонический оркестр имени Чайковского под руководством В. Федосеева. Премьера полной партитуры балета планируется на фестивале в Бергене (Норвегия) с международным составом исполнителей. Сюжет балета придуман самим Рыбниковым: молодая влюбленная пара, живущая в третьем тысячелетии, путешествует во времени, попадая то в прошлое, то в еще более отдаленное будущее.

В 2000 году в Государственном Доме радиовещания и звукозаписи состоялся премьерный показ сцен из новой музыкальной драмы А. Рыбникова "Маэстро Массимо" ("Оперный дом"). В основе сюжета спектакля - судьба талантливого русского композитора XVIII века Максима Березовского, который долгое время жил и учился в Италии, а вернувшись в Россию, не был принят русским обществом, ориентированным на итальянскую культуру. Партитура оперы сложилась как синтез различных стилистических пластов: от чистой стилизации музыки XVIII века в духе Моцарта до современных звучаний. В ней много прекрасных мелодий, наделенных столь характерным для Рыбникова романтическим мироощущением. В настоящее время над постановкой этого произведения работает главный режиссер Московского театра Ленком М.А. Захаров.

В 2001 году по приглашению международной корпорации "Лексмарк" и Музыкального фонда Норвегии Алексей Рыбников восстановил утраченную партитуру балета "Сны Бальдра" норвежского композитора Г. Твайта по мотивам скандинавского эпоса. Премьера состоялась в мае 2002 года на фестивале в Бергене (Норвегия).

В том же году состоялась премьера телевизионного фильма "Дети из бездны" режиссера Павла Чухрая (продюсер Стивен Спилберг), музыку для которого написал Алексей Рыбников. Фильм посвящен судьбе еврейских детей на территории Советского Союза во время Второй мировой войны.

Зрители телеканала "Культура" знают программу Алексея Рыбникова в рамках конкурса "Открытие таланта". Этот конкурс среди авторов-непрофессионалов проводился в самых различных областях: изобразительном искусстве, литературе, моделировании одежды, дизайне. Композитор готовит фильм по материалам конкурса, на который пришло более 15 тысяч писем.

В 2002 году на экраны вышел полнометражный художественный фильм режиссера Н. Лебедева «Звезда» по одноименной повести Э. Казакевича с музыкой А. Рыбникова. Эта работа принесла композитору звание лауреата Государственной премии РФ в области литературы и искусства 2002 года, а также награды национальных кинематографических фестивалей: Национальную кинематографическую премию «Ника», Национальную премию в области кинематографии «Золотой орел», премию «Золотой овен».


Весной 2003 года состоялась премьера новой редакции оперы-мистерии «Литургия оглашенных», осуществленной Московской государственной творческой мастерской под руководством Алексея Рыбникова на площадке Концертного зала «Академический», отмеченная критиками и публикой.


Последние несколько лет связаны для композитора с целым рядом серьезных и оригинальных кинопроектов. Таких как, например, мелодрама «Жизнь одна» В. Москаленко, за романс к которой А. Рыбников получил приз фестиваля «Кинотавр» (2003). Или картина Аделя Аль-Хадада «Апокриф. Музыка для Петра и Павла» (2004), заслужившая внимание жюри не одного кинематографического фестиваля. Задача А. Рыбникова в этой работе заключалась в том, чтобы на основе внутреннего родства соединить музыку двух великих композиторов прошлого – Моцарта и Чайковского, создав таким образом новую партитуру. Этот же год связан с возвратом композитора к анимации. А. Рыбников принял участие в создании мультипликационного рисованного фильма «Ключи от времени» С. Серегина по сказке А. Франса «Пчелка», сочинив музыку, отличающуюся интересной стилистикой и ярким мелодизмом.


Кроме вышеупомянутых фильмов композитор написал музыку к таким картинам, как совместный российско-американский фильм режиссера Н. Лебедева «Эффект ириса» («Изгнанник», 2004) по оригинальному сценарию Ю. Каменецкого, Е. Шедрина и М. Стишова «Коричневая Москва»; «Парижская любовь Кости Гуманкова», поставленная режиссером К. Одеговым по одноименной повести Юрия Полякова; кинокомедия Т. Кеосаяна «Заяц над бездной» (2005); телесериалам «Леди Бомж» (2001),«С новым счастьем – 2», «Леди Мэр», «Северный сфинкс» (2003), «Спас под березами» (2003), «Самара-городок» (2004); лирическому музыкальному телефильму И. Соловова «Слова и музыка» (2004). Особое место в числе последних киноработ занимает музыка к 8-серийному телефильму П. Лунгина «Дело о мертвых душах» – фантасмагории на основе произведений Н. Гоголя.


В мае 2005 года, в год 60-летия Великой Победы, состоялась мировая премьера Пятой симфонии А. Рыбникова «Воскрешение мертвых» для солистов, хора, органа и Большого симфонического оркестра, на тексты молитв и откровений древних пророков. В оригинальном сочинении музыка переплетена с текстами из книг Ветхозаветных пророков на четырех языках: греческом, иврите, латыни и русском.


В декабре 2005 года, на творческом концерте, прошедшем в Большом зале Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского, слушатели (и впоследствии телезрители) познакомилась с Четвертой симфонией композитора «Vivo al mondо» (Драматические сцены в стиле Позднего классицизма для солистов, органа, хора и оркестра на стихи и тексты Микеланджело и Библии), сочиненной А. Рыбниковым за несколько лет до официальной премьеры.


В марте 2006 года Театр Алексея Рыбникова представил зрителям музыкальный спектакль «Бу-ра-ти-но!» в постановке режиссера Терезы Дуровой.
Алексею Рыбникову удается сочетать активную творческую и общественную жизнь, принимать участие в самых разнообразных проектах. В 2006 году он возглавил I Национальный фестиваль «Музыкальное сердце театра», став его президентом.

О 4-й симфонии (1999) и о музыкальной драме «Оперный дом»: "Сейчас оно существует в виде 4-й симфонии. Пять частей этой симфонии основаны на музыке «Оперного дома», это сделано для того, чтобы музыка просто существовала. Но она не станет оперой, да мне это и не нужно. Я увидел тут другой жанр. Я прочитал повесть Кукольника о композиторе Максиме Созонтовиче Березовском. И она меня очень заинтересовала, она показалась мне настолько трогательной, настолько для нашего времени необычной, что я решил исполнить ее в жанре, который использует в наши дни Владимир Иванович Федосеев, когда на сцене выступает чтец, а живой симфонический оркестр создает необходимую атмосферу. Вот в жанре литературно-музыкальной композиции, когда чтец будет читать письма композитора Березовского к Матильде и ее письма к нему, произведение сможет существовать".

В двух последних симфониях – 5-й (2005) под названием «Воскрешение мертвых» и 6-й (2008)– апокалипсическая тема раскрыта в столь мрачных красках, что, пожалуй, даже светлый финал не перекрывает этого мрака. А. Рыбников: "6-я симфония – это симфония «сумерек», она о восстании злых сил против сил света, в ней, конечно, наглядно показан мрак нашей истории. А вот что касается 5-ой симфонии «Воскрешение мертвых» – то там тоже идет такая борьба, но она заканчивается Небесным Иерусалимом и спасением человечества". 

А. Рыбников: "Людям вообще в большей степени интересна демоническая сфера. Вспомните, литературные произведения на тему ада, всякие инфернальные персонажи гораздо популярнее у публики, чем тема рая и спасения. Демоны, картины преисподней, демонические личности всегда лучше удаются сочинителям. А успех этой темы у публики объясняется тем, что ощущение мрака жизни совпадает с её личным опытом. Ведь не случайно говорится: «Князь мира сего». Мы должны тут ясно понимать, кто правит нашим миром и почему мы так хорошо ориентируемся в демонической тематике.

Вот когда поднимается тема рая, когда арфы играют или хор поёт ангельскими голосами – то это для большинства людей что-то скучное и неинтересное, потому что они не могут себе представить, что такое рай. Действительно, рай вообразить невозможно, но, например, в духовной музыке Баха встречаются эпизоды возвышенного восторга, пронизанные светлой энергией. То же самое можно сказать о шедеврах живописи Сикстинской капеллы в Ватикане. Как будто какие-то ангелы пролетели над землей и дали человеку несколько райских образов и мелодий, чтобы мы хотя бы чуть-чуть могли себе это вообразить.

Но вообще-то настоящее представление о рае было доступно только святым. Святых-то было очень немного за всю историю человечества, и только им дано было постигнуть энергию рая, которая, конечно, превосходит энергию ада. Но нам, грешным, этого постигнуть не дано, пока мы находимся в этом бренном мире. Не случайно и то, что Христа называют Спасителем: спасают-то из беды, из чего-то плохого, а из хорошего не спасают. Значит, если мы называем Бога Спасителем, то должны понимать, что находимся в месте, из которого нужно спасать".


В 2010—2011 году композитор написал современную оперу «Война и мир» на основе романа Льва Толстого «Война и мир». Опера создана на основе либретто, написанного самим композитором, и получила рабочее название «Живые картины времён Александра I и Наполеона Бонапарта по роману графа Льва Толстого „Война и мир“». Фрагменты оперы были представлены в спектакле театра Алексея Рыбникова «Аллилуйя любви» в сентябре 2012 года, премьера запланирована на 2013 год.

6 февраля 2012 года был официально зарегистрирован как доверенное лицо кандидата в Президенты РФ и действующего премьер-министра Владимира Путина.

Живёт и работает в Москве.

23 октября 2013 года впервые на сцене Большого зала Московской консерватории прозвучали Концерт для виолончели с оркестром, который исполнил выдающийся виолончелист Александр Князев, и хоровая сюита «Тишайшие молитвы» в исполнении Государственной капеллы им. А.А. Юрлова под руководством Геннадия Дмитряка. Дирижировал оркестром  известный европейский маэстро Хориа Андрееску.

А. Рыбников (октябрь 2013): "Сейчас я работаю над крупным хоровым сочинением — «Симфонией для четырех хоров и компьютера». Вот она станет начальной частью цикла из больших произведений, программу которого я озвучу, когда всё сочинение будет завершено. Само исполнение потребует немалых организационных усилий — нужно много исполнителей, много техники, ну, что ж, предстоит поработать над всем этим. В будущем году, надеюсь, симфония будет исполнена".

"Безусловно, в этих произведениях есть и осмысление моей собственной жизни — пора уже ответить себе, зачем я на свет появился. И также необходимо подумать о том, что вообще происходит в мире сейчас, с чего всё начиналось и чем всё закончится. Всё-таки мы, люди, такие существа, которые обязаны, явившись в этот мир, не быть совсем уж слепыми. Но практически никто не задумывается, какое же это великое счастье, что человек появился в этих бездонных пространствах космоса, на тоненькой поверхности этого «шарика», этой маленькой планетки, где возникновение зелёной травки, дерева и, тем более, животных – совершенно необъяснимое чудо. А уж появление личности, которая страдает, любит, восхищается, отчаивается, – это вообще нечто невообразимое!

А ведь многим наша жизнь кажется обыденным, рядовым событием. Каждый человек, если он начинает обо всём этом задумываться, конечно, задаётся вопросом: зачем всё это нужно? Зачем все эти муки, и любовь, и отчаяние? Ну и потом человек начинает узнавать, что и до него на все эти вопросы пытались ответить предшествующие поколения, поэты и пророки. Но если поэты задавали вопросы, то пророки давали на них ответы. И мне захотелось собрать в своем цикле весь опыт, который был накоплен, пока человек искал ответы на свои вопросы, и написать вот такое большое произведение. Я писал его 30 лет. На протяжении этого времени я его и забрасывал, иногда — на несколько лет, а потом снова к нему возвращался.

И мрачных страниц в таком произведении не может не быть. Потому что если посмотреть на человеческую историю, то мы поймем, что она ужасна. И перспектива завершения жизни каждого индивида ужасна, и перспектива завершения человеческой цивилизации тоже ужасна, осмыслить это без содрогания невозможно.

Начинаться цикл будет с хоровой симфонии, и в ней будет один мажор — больше часа одного мажора, одной радости, любви, света, с которого всё начиналось и которым всё закончится, несмотря на всю трагичность истории. Свет восторжествует в любом случае. Мережковский, писавший, что все до единого спасутся, что не будет ни одного погибшего в аду, по-моему, прав, хотя это его утверждение и противоречит учению церкви, согласно которому нераскаявшиеся грешники будут сурово наказаны. Я тоже думаю, что, пройдя через муки и страдания, все спасутся и достигнут света".

 В 5-й симфонии необычный состав солистов – сопрано, бас и пять теноров. Всё-таки слушателю более привычно нечто другое в ораториально-кантатном произведении о конце света и воскресении.

А. Рыбников: "Если тенор поет соло, то он олицетворяет собой личность, человека. А пять теноров – это неповторимый тембр, в котором заключена особая символика. В то же время это не хор. И тенора должны быть не хористами, а именно солистами. У каждого тенора свой особый тембр. И когда они сливаются, возникает звучание, которого никаким другим способом не достигнешь. Тексты симфонии написаны на четырех языках — иврите, латыни, греческом и русском. И когда речь уже заходит о Небесном Иерусалиме, то мне почему-то слышался там наш бас, такой мощный, заполняющий всё огромное пространство зала русский бас, от которого задрожали бы все хрустальные люстры. Вот такой мощи я представлял себе этот голос. Но пока, хотя все исполнители симфонии были замечательными певцами, такого баса я еще для этого произведения не получил. Ну и сопрано — это тоже личность, а не символ. И она поёт реминисценции из прежних моих произведений, например, из «Литургии оглашенных». «Воскрешение мертвых» — это итоговая часть цикла, поэтому там есть возвращение к прежним темам, вот что для меня очень важно.

Таким образом, первая часть моего цикла в настоящее время находится в работе, это «Симфония для четырёх хоров и компьютера». Вторая часть – это 6-я симфония, в которой силы зла воюют с силами света. Третья часть – «Литургия оглашенных» – это наша человеческая история, на которую проецируется борьба света и тьмы. И четвертая часть – «Воскрешение мертвых». Логично, что она последняя в моем цикле, ведь в ней говорится о том, каков будет исход битвы, которая длится на протяжении всей истории человечества, и заканчивается она победой сил света и Небесным Иерусалимом".

"Моя «Война и мир» представляет собой очень личный взгляд на произведение Толстого. И его можно исполнять как на огромных площадках с большим количеством актеров, с батальными сценами, либо это будет совсем камерный театр, как наш, где будут, как под микроскопом, рассматриваться душевные переживания героев, в основном — князя Андрея. Я думаю даже назвать это произведение «Война и мир Андрея Болконского», потому что это война и мир в его душе, и мне это наиболее интересно".

"Образ Наполеона у меня более развернут, чем у Толстого. Я взял его письма, дневники. Его ария на французском языке написана на тексты из его дневников. Я пытаюсь проследить, как его идея о господстве над всем миром вновь завладела умами людей уже в ХХ веке. Безусловно, это личность неординарная, таинственная, вызывающая глубокий трепет, непостижимая. Устами Наполеона в романе Толстого предсказано, что в Европе не будет границ, паспортов, то есть точно описано Шенгенское пространство и Евросоюз. И много всяких других предсказаний. Он потерпел поражение, но в то же время у тех, кто начинает изучать его деяния, не укладывается в голове, как всё это мог осуществить один человек. А противостоит ему русский царь Александр Павлович. Наполеону не нравилось огромное количество русских церквей, он считал, что религиозность населения – это признак ее отсталости. И вот он пришел в эту отсталую, религиозную, православную Россию и легко покорил её. Но чем всё закончилось? Тем, что Александр служил молебен в Париже. Это была эпоха торжества российской идеологии. Вот сегодня мы всё ищем: в чём русская идея? Потеряли советскую идею, но не пришли ни к какой другой. Но была она, была. Посоветуйтесь с Александром Павловичем, спросите у него, что это за идея.

Так вот, в спектакле у меня будет сцена этого молебна. Александр въедет на парижскую площадь на белом коне. Этого в романе у Толстого нет, но в нашем спектакле будет. И последние слова Наполеона о том, что от великого до смешного — один шаг, там тоже прозвучат".

"Жанр моего спектакля синтетический, это опера-драма-балет, где есть профессиональные оперные певцы, есть драматические актеры, будут участвовать симфонический оркестр, академический хор и обязательно балет, так как хореографическое выражение событий для меня тоже важно. Но этот синтетизм символизирует для меня возвращение оперы к своим истокам, когда в ней и пели, и говорили от себя как в драме, и танцевали. И вернуться к такому синтетизму давно пора, такой опера была в самом начале".

Взгляд на оперу: "Пора соединить оперу с улицей, что я, собственно, и стараюсь делать – вернуть опере её исконные традиции. Нельзя ограничиваться только бельканто. Спору нет, это замечательная, прекрасная традиция, но нужно признать, что есть и другие вокальные традиции, и они имеют право сосуществования на оперной сцене с другими традициями. Вот когда у нас в сознании рухнут эти рамки, может, это и приведет к появлению нового Взгляда на оперу. И я вам должен сказать, то, что я делаю в спектакле «Война и мир», не имеет отношения ни к классической опере, ни к мюзиклу, ни к другим видам современного театра.

Давайте посмотрим, что там получится. Но требования, которые я предъявляю к певцам, очень высокие. Они должны обладать широким диапазоном, петь чисто и быть безукоризненными с точки зрения манеры. Вот таких профессионалов нелегко найти, и я их воспитываю в своей творческой мастерской. Это профессионалы совсем другого, особого толка. Это не оперные певцы, не рок-певцы и не певцы мюзикла. Это мои певцы. И я пишу для них. И знаете, жизнь показывает, что именно эта вокальная и драматическая манера исполнения не испытывает проблем с завоеванием публики, и о кризисе нам не приходится говорить. Нам стоя аплодируют и в России, и за границей — в Германии, Франции, США и Канаде".


Помимо основного увлечения в жизни - музыки, у Алексея Рыбникова есть еще одна страсть - путешествия.

Интерпретаторы

Произведения композитора исполняют ведущие отечественные и зарубежные дирижеры: Валерий Гергиев, исполнивший симфонию №6 Алексея Рыбникова на Фестивале   симфонических оркестров мира, Теодор Курентзис, исполнивший симфонию №5 на фестивале «Черешневый лес», Александр Сладковский, исполнивший Симфонию № 5 на фестивале симфонических оркестров мира в Москве и  в Казани, Марк Горенштейн, продирижировавший  Юбилейным концертом  к 60-летию композитора. В ряду исполнителей музыки Алексея Рыбникова такие выдающиеся музыканты, как Геннадий Рождественский, Владимир Федосеев, Олег Каган, Виктор Третьяков, Юрий Башмет, Алена Баева, Ирина Долженко, Борис Андрианов, Екатерина Мечетина и многие другие.

Основные произведения


Рок-оперы

    1975 — «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты»
    1979 — «Юнона и Авось»
    2010-2011 — «Война и мир»

Музыка к фильмам

Кинофильмы

    1966 — Всадник над городом
    1968 — Три дня Виктора Чернышёва
    1969 — День и вся жизнь
    1971 — Остров сокровищ
    1972 — Без трёх минут ровно
    1974 — Большое космическое путешествие
    1974 — Пётр Мартынович и годы большой жизни
    1975 — Потрясающий Берендеев
    1975 — Когда дрожит земля
    1976 — Дневник Карлоса Эспинолы
    1976 — Дневной поезд
    1976 — Эквилибрист
    1977 — Исчезновение
    1977 — Обратная связь
    1977 — Усатый нянь
    1978 — Иванцов, Петров, Сидоров…
    1978 — Новые приключения капитана Врунгеля
    1978 — Шла собака по роялю
    1979 — Примите телеграмму в долг
    1979 — Чужая компания
    1979 — Тот самый Мюнхгаузен
    1980 — Вам и не снилось
    1980 — Желаю успеха
    1980 — Ночное происшествие
    1980 — Полёт с космонавтом
    1980 — Через тернии к звёздам
    1980 — Мнимый больной
    1981 — Руки вверх!
    1982 — Василий Буслаев
    1982 — Звезда и смерть Хоакина Мурьеты
    1982 — Мать Мария
    1982 — Сказки… сказки… сказки старого Арбата
    1982 — Срочно…Секретно…Губчека
    1983 — Карантин
    1983 — Магистраль
    1983 — Оглянись!…
    1983 — Серафим Полубес и другие жители Земли
    1983 — Сказка о Звёздном мальчике
    1984 — Вера. Надежда. Любовь
    1984 — Нам не дано предугадать…
    1984 — Прохиндиада, или Бег на месте
    1984 — Шанс
    1985 — Вот моя деревня…
    1986 — Гонка века
    1986 — Русь изначальная (2 серии)
    1989 — Утоли моя печали
    1991 — Царь Иван Грозный (другое название — Князь Серебряный)
    1992 — Воспитание жестокости у женщин и собак
    1992 — Только не уходи…
    1993 — Великая княгиня Елисавета
    1993 — Кодекс бесчестия
    1993 — Приговор
    1993 — Я виноват
    2000 — Я виноват — 2
    2002 — Звезда
    2003 — Жизнь одна
    2003 — Эффект ириса (Изгнанник)
    2004 — Апокриф: Музыка для Петра и Павла
    2006 — Заяц над бездной
    2006 — Волкодав из рода Серых Псов
    2006 — Андерсен. Жизнь без любви
    2007 — Дом на Английской набережной
    2007 — Отец
    2007 — 1612 (Хроники смутного времени)
    2008 — Пассажирка
    2009 — Поп

Телефильмы и короткометражные фильмы

    1966 — Лёлька (к/м, в киноальманахе Пробуждение)
    1974 — Ералаш
    1975 — Приключения Буратино (2 серии)
    1976 — Мушкетёры 4 «А»
    1976 — Эквилибрист
    1977 — Про Красную Шапочку. Продолжение старой сказки (2 серии)
    1979 — Диалог
    1979 — Осенняя история (2 серии)
    1979 — Тот самый Мюнхгаузен (2 серии)
    1980 — Путь к медалям
    1980 — Мнимый больной
    1983 — Сказка о Звёздном мальчике
    1985 — Дороги Анны Фирлинг (4 серии)
    1986 — Где родятся «Жигули»
    1989 — Чёрный принц Аджуба
    1989 — Ядерный век (War and Peace in the Nuclear Age) (11 серий)
    1990 — Мы (5 серий)
    1993 — Раскол (9 серий)
    2000 — Дети из бездны (США) (1 серия из 5)
    2001 — Леди Бомж (Леди Босс) (10 серий)
    2001 — С новым счастьем — 2 (8 серий)
    2002 — Леди Мэр (16 серий)
    2003 — Спас под березами (12 серий)
    2003 — Северный сфинкс
    2004 — Самара — городок (4 серии)
    2004 — Слова и музыка
    2005 — Внимание, говорит Москва (4 серии)
    2005 — Дело о мертвых душах (8 серий)
    2008 — Братья Карамазовы

Мультфильмография

    Индекс (мультфильм) 1972
    Только для взрослых. Выпуск 2 1973
    Паучок Ананси и волшебная палочка 1973
    Только для взрослых. Выпуск 3 1974
    Достать до неба 1975
    Фантик. Первобытная сказка 1975
    Волк и семеро козлят на новый лад 1975
    Вот какой рассеянный 1975
    Чёрная курица 1975
    Журавлиные перья 1977
    Праздник непослушания 1977
    Бедная Лиза 1978
    Муми-Тролль и другие 1978
    Муми-Тролль и комета 1978
    Муми-Тролль и комета. Путь домой 1978
    Происшествие в музее 1982
    Знаки 1985
    Миниатюры 1985
    Стрелочник 1987
    Ключи от времени 2004

Симфоническая, хоровая и камерная музыка

    «Магазин игрушек» (балет на льду)
    «Кот в сапогах», балет в 3-х действиях, 7 картинах, 1955
    Andante для скрипки и фортепиано, 1957
    Инвенция (Allegro)
    Инвенция для органа, 1957
    Инвенция трехголосная, 1957
    Последний лист, по мотивам рассказа О’ Генри, 1957
    Три пьесы для фортепиано (Скерцо, Интерлюдия, Адажио)
    Фуга двухголосная in G
    Фуга (Скерцо)
    Фуга трехголосная in C
    Фуга трехголосная in cis
    Сюита для скрипки с фортепиано в 3 частях, 1959
    Шесть прелюдий, 1960
    Сонатина для виолончели и фортепиано op.9, 1960
    Сонатина для фортепиано op.12, 1960
    Прелюдии op.6, 1960 (6 № 2, 6 № 3, 6 № 4)
    Токката для фортепиано (1963) в d, «Концертные произведения советских композиторов» для фортепиано, выпуск 6. — М.: «Советский композитор», 1977
    Соната для фортепиано № 1 «Хороводы», в 3-х частях (1961). Издана — М.: «Музыка», 1965
    Соната для фортепиано № 2, 1966
    «Аннушка», текст Петра Вегина
    «Светает», текст Петра Вегина
    «Мост Мирабо», слова Гийома Апполинера
    «Два романса» на слова Людвига Ашкенази,1967
    Концерт для скрипки с оркестром, 1967
    Русская увертюра, 1967
    Симфония № 1, 1967—1969
    «Скоморох», концертное каприччио для симфонического оркестра, 1968
    Концерт для струнного квартета и симфонического оркестра, 1970—1971
    Увертюра для оркестра народных инструментов, 1971
    Концерт для фортепиано solo, 1972
    Концерт для баяна и симфонического оркестра, 1972
    Музыка к аудиосказке «Кошка, которая гуляла сама по себе», 1974
    Симфония № 3, 1972—1973
    Симфония № 2 «Матерь Человеческая», 1973—1974
    Симфония № 4 «Vivo al mondо» («В мире живу я»), 1999
    Симфония № 5 «Воскрешение мертвых», 2005
    Сюита из балета «Кот в сапогах», 2005
    Concerto grosso «Северный сфинкс», 2006
    Concerto grosso «Синяя птица», 2006
    Симфония № 6, 2008
    Три концертные арии: «S’amor non e»; «Куплеты»; «Да, да, да, я Вас люблю»
    Хоровой концерт, 2012

Спектакли театра Алексея Рыбникова

    «Литургия оглашенных» («Мистерия оглашенных»), 1983—1989. Первая постановка — 1992.
    «Красная Шапочка», тексты песен Юлий Ким, тексты интермедий Александр Рыхлов, постановка Театра Алексея Рыбникова в 2007—2008.
    «Буратино», либретто Софьи Троицкой, тексты песен Юрий Энтин, постановка Театра Алексея Рыбникова в марте 2006 года.
    «Звезда и Смерть Хоакина Мурьеты», 1975, первая постановка на сцене театра Ленком —1976. Восстановлен театром Рыбникова в 2007 году.
    «Юнона и Авось»: первая премьера прошла в Храме в Филях и спектакль назывался «Авось» (1979), затем первая постановка в театре в 1981 уже под легендарным
названием «Юнона и Авось». Премьера обновлённой версии состоялась в июле 2009 года во Франции.
    «Аллилуйя любви». Вариации на тему любви, Сентябрь 2012 (включая премьерный показ сцен нового сочинения А. Рыбникова — «Живые картины времён Александра I и Наполеона Бонапарта „Война и мир“ по роману гр. Льва Толстого»).
    «Война и мир» — современная опера. Рабочее название — «Живые картины времён Александра I и Наполеона Бонапарта по роману графа Льва Толстого „Война и мир“».

Награды и звания


    Заслуженный деятель искусства РСФСР (1989)
    Народный артист РФ (1999)
    Лауреат Государственной премии РФ (2002)
    Кавалер Почетного золотого Знака «Общественное признание» (2005)
    Кавалер ордена Святого Благоверного князя Даниила Московского (2005)
    Кавалер ордена Дружбы (2006)
    Лауреат Российской независимой премии поощрения высших достижений литературы и искусства «Триумф» (2007)
    Кавалер ордена Дягилева (2007)
    Обладатель Международной Общественной Премии в области меценатства и благотворительности «Добрый Ангел Мира» (2007)
    Орден Почёта (2010)
    Лауреат национальных премий «Ника», «Золотой Овен», «Золотой орел», «Кинотавр» в области кинематографии
    Кавалер ордена Орла





 
«ПерваяПредыдущая12СледующаяПоследняя»

Страница 1 из 2.
 
Гамаюн gamayun@lafamire.ru
Сейчас 848 гостей онлайн
Рейтинг@Mail.ru
© 2010-2017 www.lafamire.ru Сольфеджио. Теория музыки. Анализ. Гармония (решебники). Все права защищены.
Вся информация, размещенная на данном веб-сайте, предназначена только для персонального пользования и не подлежит дальнейшему воспроизведению и/или распространению в какой-либо форме, иначе как с письменного разрешения www.lafamire.ru